martes, 29 de noviembre de 2016

CRÍTICA | MIG ÅGER INGEN (NOBODY OWN ME), de Kjell-Åke Andersson


MIG ÅGER INGEN (NOBODY OWN ME), de Kjell-Åke Andersson
Premio Guldbagge 2013 al mejor actor protagonista
Suecia, 2013. Dirección: Kjell-Åke Andersson Guión: Pia Grandvall, a partir de la novela de Åsa Linderborg Fotografía: Jonas Alarik Reparto: Mikael Persbrandt, Sandra Andreis, Ida Engvoll, Tanja Lorentzon Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Suecia, años 70. Incapaz de superar la ruptura con su mujer, un padre de familia se hace cargo de su hija pequeña a la vez que hace frente a su adicción al alcohol. Con el paso de los años, su salud y su posición tanto familiar como laboral lo llevarán a un pozo sin salida.


Mig äger ingen (Nobody Owns Me) es una de las películas suecas más comentadas de la pasada temporada, gracias sobre todo a la interpretación del popular Mikael Persbrandt, que ganó el premio Guldbagge por su trabajo en el film. A partir de la novela homónima de Åsa Linderborg, el director Kjell-Åke Andersson nos muestra la lucha de un hombre por superar su adicción al alcohol y por defender unos ideales comunistas que chocan con la sociedad sueca de los años 70. La película convence cuando el relato se reduce a un ámbito íntimo y casero, pero no logra reflejar de forma creíble el conflicto social y político que basa todo el drama. Andersson, además, cae en el subrayado fácil durante su tramo final: la atención del relato recae en el personaje de la hija, y el conjunto acaba mutando en un episodio nada novedoso de rebeldía adolescente. Con todo, Mig äger ingen (Nobody Owns Me) pone sobre la mesa las dificultades de la clase proletaria e insta a tener una visión crítica y solidaria con los más necesitados, un mensaje que sigue de plena actualidad. Deprimente y sensible en las dosis justas, aunque el cómputo final sea más bien discreto. Queda, como no podía ser de otra manera, la gran contribución de Mikael Persbrandt, un actor que ofrece un recital de fuerza y derrota que la película desaprovecha. 


Para abonados a la fórmula 'films con padres coraje'.
Lo mejor: Persbrandt y la imagen de ese barco infantil que nunca llega a zarpar.
Lo peor: El final cae en la manipulación sentimental.


lunes, 28 de noviembre de 2016

ENCUESTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO 1991

Cinoscar & Rarities, dentro del especial CINE DE LOS 90, ha encuestado a sus oyentes y lectores por sus 5 películas favoritas del año 1991. En el siguiente post agrupamos el top final y los 39 tops recibidos.


1. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS, de Jonathan Demme 33 votos
2. LA BELLA Y LA BESTIA, de Gary Trousdale y Kirk Wise 20 votos
3. TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL, de James Cameron 15 votos
4. THELMA & LOUISE, de Ridley Scott 13 votos
5. J.F.K.: CASO ABIERTO, de Oliver Stone 11 votos
5. TOMATES VERDES FRITOS, de Jon Avnet 11 votos
7. EL CABO DEL MIEDO, de Martin Scorsese 10 votos
8. LA LINTERNA ROJA, de Zhang Yimou 9 votos
9. BARTON FINK, de Joel Coen 6 votos
9. EL PRÍNCIPE DE LAS MAREAS, de Barbra Streisand 6 votos
9. LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA, de Krzysztof Kieslowski 6 votos
9. MI IDAHO PRIVADO, de Gus Van Sant 6 votos
13. NOCHE EN LA TIERRA, de Jim Jarmusch 5 votos
14. AMANTES, de Vicente Aranda 4 votos
14. DELICATESSEN, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet 4 votos
14. LOS AMANTES DEL PONT-NEUF, de Leos Carax 4 votos
17. EUROPA, de Lars von Trier 3 votos
17. TACONES LEJANOS, de Pedro Almodóvar 3 votos



1. @tendedero
- Amantes, de Vicente Aranda
- Como agua para chocolate, de Alfonso Arau
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar

2. @lunes14
- Barton Fink, de Joel Coen 
- Europa, de Lars von Trier
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou

3. Alberto Tovar - Demasiado Cine
- El paso suspendido de la cigüeña, de Theo Angelopoulos
- La bella mentirosa, de Jacques Rivette
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax 
- Mi Idaho Privado, de Gus Van Sant
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

4. Andrés Ricaurte
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Mediterráneo, de Gabriele Salvatores
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Thelma & Louise, de Ridley Scott
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

5. Angus Fly – Canon Movies
- Corazones en tinieblas, de Fax Bahr, George Hickenlooper y Eleanor Coppola 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet 
- Un verano en Louisiana, de Robert Mulligan

6. Antonio Fernández
- Alas de mariposa, de Juanma Bajo Ulloa
- Amantes, de Vicente Aranda
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

7. Carlos Esteban
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

8. Carlos Iñiguez
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

9. Chema Hernández
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

10. Daniel Bermeo – Cine Puro
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- Hijos de la Naturaleza, de Friðrik Þór Friðriksson
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch

11. Enrique – Enrique Méndez Fotografía 
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro
- El rey pescador, de Terry Gilliam 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant 
- The Commitments, de Alan Parker

12. Giancarlo Verástegui - No es un blog habitual
- Barton Fink, de Joel Coen 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La linterna roja, de Zhang Yimou 
- Naked lunch, de David Cronenberg
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 

13. Guillermo Navarro – Film Dreams
- Europa, de Lars von Trier 
- Jacquot de Nantes, de Agnès Varda 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou

14. Hemos Visto
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet 

15. Isidro Molina – Ratos de Cine
- Barton Fink, de Joel Coen
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Sombras y niebla, de Woody Allen
- The Commitments, de Alan Parker

16. Javi
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

17. Jesús Onieva
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

18. Jose A Diaz
- Delicatessen, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Mi Idaho Privado, de Gus Van Sant
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

19. José Lecter
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski

20. José Luis Ayala – Revista Alegato
- Barton Fink, de Joel Coen 
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch

21. Jose Manuel Olguin
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Le llaman Bodhi, de Kathryn Bigelow
- Tacones lejanos, de Pedro Almodóvar
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

22. Julio Lacava – El Octavo Espectador
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

23. Kasko – El butacón de Kasko
- Amantes, de Vicente Aranda
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

24. Marcelo Morales
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron

25. Marckwire21 - BloodStab
- Barton Fink, de Joel Coen
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

26. Mariano Silva
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Mi chica, de Howard Zieff
- Thelma & Louise, de Ridley Scott
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

27. Mayra Meza - Cine Amateur
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou 
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax 
- Un día de verano, de Edward Yang

28. Norberto Pinar - The DVA Blog
- Barton Fink, de Joel Coen
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

29. Óscar Vela (Mastí) – La taverna del Mastí
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- The Doors, de Oliver Stone
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

30. Pedro M. Bernadas
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise
- Noche en la tierra, de Jim Jarmusch
- Vania en la calle 42, de Louis Malle

31. Rafa Martínez - The Córdoba Secret’s
- El niño que gritó puta, de Juan José Campanella
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi chica, de Howard Zieff
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

32. Rafael Mejía
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- La linterna roja, de Zhang Yimou 

33. Raven-Heart
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Mi Idaho privado, de Gus Van Sant
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

34. Ricard
- Delicatessen, de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- El último Boy Scout, de Tony Scott
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron

35. Ricardo Várez 
- Amantes, de Vicente Aranda 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale y Kirk Wise
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron
- Thelma & Louise, de Ridley Scott 
- Tomates verdes fritos, de Jon Avnet

36. Ronnie Valencia – Dualidad Alterna
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme 
- La bella y la bestia, de Gary Trousdale, Kirk Wise 
- Naked lunch, de David Cronenberg
- Terminator 2: el juicio final, de James Cameron 
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

37. Sergio Nahuel – Oscarzine
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese
- El príncipe de las mareas, de Barbra Streisand
- J.F.K.: caso abierto, de Oliver Stone 
- La linterna roja, de Zhang Yimou
- Thelma & Louise, de Ridley Scott

38. Xavier Llobet
- Alas de mariposa, de Juanma Bajo Ulloa
- Corazones en tinieblas, de Fax Bahr, George Hickenlooper, Eleanor Coppola
- El cabo del miedo, de Martin Scorsese 
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- The Commitments, de Alan Parker

39. Xavier Vidal - Cinoscar & Rarities
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Europa, de Lars von Trier
- Grand Canyon (El alma de la ciudad), de Lawrence Kasdan
- La doble vida de Verónica, de Krzysztof Kieslowski
- Los amantes del Pont-Neuf, de Leos Carax


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domingo, 27 de noviembre de 2016

CRÍTICA | CALLBACK, de Carles Torras


La cara cruel de Nueva York
CALLBACK, de Carles Torras
Festival de Málaga: Mejor película, guión y actor. Festival de Bruselas: Premio del jurado
España, 2016. Dirección: Carles Torras Guión: Carles Torras y Martin Bacigalupo Fotografía: Juan Sebastián Vásquez Reparto: Martin Bacigalupo, Lilli Stein, Larry Fessenden, Timothy Gibbs, Rigoberto Garcia, Kathryn Kuhn, Paulina Simkin, Dave Bobb, Butch McCain Género: Thriller psicológico Duración: 80 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/01/2017
¿De qué va?: Larry es un inmigrante latino en Nueva York. Ferviente religioso y de vida anodina, intenta labrarse un lugar como actor asistiendo a distintos castings radiofónicos. La llegada a su piso de Alexandra, una joven que ha conocido por internet, pondrá patas arriba su débil estabilidad.


Carles Torras, un director que siempre ha transitado los márgenes cinematográficos, viaja hasta el Nueva York marginal en Callback, a todas luces su mejor obra hasta la fecha. Contada con el pulso de un thriller psicopático, sin juicios ni subrayados, Callback sigue los pasos de Larry, un tipo anodino que trabaja en una empresa de traslados. En sus ratos libres, el hombre asiste a los oficios de una iglesia evangélica de barrio y se presenta a castings para poner voz a anuncios publicitarios. Con todo, no puede decirse que el film sea, al menos en un primer término, ni una crítica al sensacionalismo religioso ni a las duras condiciones de los actores que quieren labrarse un futuro en el País de las Oportunidades, aunque ambos temas subyacen en todo el metraje. Torras, sirviéndose de la presencia portentosa de Martin Bacigalupo, retrata las arbitrariedades de un desequilibrado apátrida, y lo hace con humor lacónico y un estilo cortante. Estamos ante una intriga psicológica de bajo presupuesto al más puro estilo American Psycho, pero a la vez una historia con cierto candor, porque el personaje queda retratado como una víctima del sistema, un ser frustrado que canaliza toda su rabia por la vía del crimen. Torras, con un guión en constante progreso, describe a la perfección el paso de la "normalidad aparente" a la "locura ensalzada" de su antihéroe, todo hasta llegar a un final que muestra la deriva definitiva del protagonista conduciendo, literal y metafóricamente, en dirección a la boca del lobo. Callback, como resultado, es una película desasosegante, que ofrece más preguntas que respuestas, no apta para espectadores de gusto acomodado. En el abismo y la excentricidad de Callback se esconde un retrato punzante de nuestros tiempos: ojalá el público español le dé la oportunidad que se merece.


Para amantes de los thrillers urbanos en la línea de Taxi Driver y Nightcrawler.
Lo mejor: Martin Bacigalupo, un descubrimiento.
Lo peor: Que, por avatares de la distribución, llegue tan tarde a las salas españolas.

jueves, 24 de noviembre de 2016

CRÍTICA | OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver


Hacia rutas salvajes
OUT OF NATURE (MOT NATUREN), de Ole Giæver 
Nominada al Nordic Council a la mejor película nórdica del 2015. Candidata a 2 premios Amanda
Noruega, 2014. Dirección y guión: Ole Giæver Música: Ola Fløttum Fotografía: Øystein Mamen Reparto: Ole Giæver, Trond Peter Stamsø Munch, Marte Magnusdotter Solem, Rebekka Nystabakk, Sivert Giæver Solem Género: Comedia dramática Duración: 75 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Martin, un hombre casado, con un hijo pequeño y trabajo estable, decide hacer una excursión por su cuenta por la montaña durante el fin de semana. Solo y en plena naturaleza aflorarán sus sentimientos, sus fantasías y sus dudas.


Ole Giæver dirige, escribe y protagoniza una de las películas más curiosas del último cine escandinavo. Sustentada casi por entero en un único personaje, el film cuenta un reencuentro con la naturaleza y una huida de la civilización, y lo hace de forma austera, sin grandes alardes técnicos y sumiendo al espectador en un estado de "relajación tensa". Mot naturen, en su viaje de ida y vuelta, deja a la superficie parte de los grandes males que afectan al ser humano del S. XXI como la soledad o la insatisfacción, temas y sentimientos reconocibles que terminan por ganarse la simpatía de la audiencia. 

La película llena su travesía agreste con un narrador omnisciente que nos hace partícipes de los pensamientos del personaje, una estrategia que distiende y enturbia la trama según el momento hasta convertir el metraje en un relato íntimo de subidas y bajadas emocionales. Una apuesta arriesgada que Giæver sabe culminar con éxito gracias a la sutil utilización de temas musicales, a la belleza no subrayada de ciertos planos o a la atmósfera onírica de su segundo tramo. 


Al final del trayecto que propone Giæver queda cierto regusto amargo. El corredor no encuentra el silencio y el final de Mot naturen es triste, pero simbólicamente apuesta por la resolución más favorable. Tal vez la única posible. El peso de "la insoportable levedad del ser", con toda su gravedad y su patetismo, se impone a cualquier voluntad personal. Y en ese maremágnum de dudas y de frustraciones, Mot naturen reivindica el cine como espejo de males colectivos y como una posibilidad para evadirse, perderse, reencontrarse y con un poco de suerte reconciliarse con uno mismo. Una pequeña esperanza (o tal vez no) para una película-experiencia con mucho encanto.


Para espectadores que se encuentran en una encrucijada vital y necesitan un cambio de aires.
Lo mejor: Ole Giæver, un "artista total" a seguir.
Lo peor: Que se tome como una película "pequeña".

martes, 22 de noviembre de 2016

CRÍTICA | KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN), de Bi Gan


La China inhóspita
KAILI BLUES (LU BIAN YE CAN)
Festival de Locarno: Mejor director novel. Sección a concurso Món Filmat 2016
China, 2015. Dirección y guión: Bi Gan Fotografía: Wang Tianxing Música: Lim Giong Reparto: Chen Yongzhong, Guo Yue, Liu Linyan, Luo Feiyang, Xie Lixun, Yang Zhuohua, Yu Shixue, Zhao Daqing Género: Drama onírico Duración: 110 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Chen trabaja en una pequeña clínica en la provincia de Guizhou, una zona tranquila. Al iniciar la búsqueda de su sobrino, Chen visitará un pequeño pueblo con unos habitantes muy particulares. En ese viaje, el tiempo se alterará, hasta el punto de que Chen no podrá discernir si su devenir es real, un producto de su imaginación o sólo un recuerdo del pasado.


Hay veces en las que visionas una película que te rompe todos los esquemas y piensas: "obras como ésta son las que justifican que uno vaya al cine tantas veces a la semana e intente ver todo lo que cae en sus manos". Ese es el caso de Kaili Blues, uno de esos "objetos cinematográficos no identificados" que pueden despertar la euforia (también el enfado) de más de un cinéfilo. Bi Gan tiene menos de 30 años y un corto en su currículum, pero con su ópera prima nadie duda que puede convertirse en uno de los bastiones del cine chino más inmediato. Kaili Blues es una película de colores y sensaciones. No hay que entenderla porque su historia es, para qué negarlo, bastante ininteligible. El director nos sumerge en una zona perdida de China en la que parece no pasar el tiempo, a la vez que la historia funde pasado, presente y futuro en una trama que, de nuevo, se intuye, pero nunca se llega a conocer en toda su dimensión. La aportación de Bi Gan queda en parte eclipsada por un prodigioso plano secuencia de 40 minutos en el que los personajes van moviéndose en moto, coche, barco y a pie, a la vez que el operador de cámara filma ese devenir con un juego de fotografía inaudito. Bi Gan sume al espectador en un estado de hipnosis, a la vez que necesita de audiencias que estén dispuestas a transitar zonas oníricas. Por momentos, Kaili Blues recuerda la serenidad de Weerasethakul mezclada con la itinerancia crítica del Jia Zhang Ke de títulos como Naturaleza muerta. Es una pena que la película, dentro de su confusión, no cuente con un guión más sólido que dé cierta hondura a su atmósfera, pero a su favor cuenta con la habilidad de crear fotogramas que se quedan grabados a fuego en la memoria. Cine abstracto y físico, de semántica voluble y de una belleza desoladora. Habrá que seguir la pista a Bi Gan: Kaili Blues, con sus virtudes e imperfecciones, es la obra de un autor superdotado.


Para conocer el lado oculta de la China de nuestros días.
Lo mejor: Dejarse llevar por sus imágenes, sin pensar qué se está viendo o qué sucederá en el próximo fotograma.
Lo peor: Su total ausencia de asideros.

domingo, 20 de noviembre de 2016

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X08 - LA LLEGADA (ARRIVAL) y ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS


Programa nº 31 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Seguimos atentos a los estrenos del año y a la inminente temporada de premios norteamericana analizando LA LLEGADA (ARRIVAL) y ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS, dos de los lanzamientos más esperados. Incluye reseña sin spoilers de los films y monográfico de los actores AMY ADAMS y EDDIE REDMAYNE. ¡Gracias por darle al play!


Guía del programa:
Presentación - AMY ADAMS: Filmografía y biografía - LA LLEGADA: Datos, tráiler y reseña - EDDIE REDMAYNE: Filmografía y biografía - ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS: Datos, tráiler y reseña - Despedida y canción: That's How You Know, de "Encantada: La historia de Giselle"

Puedes escuchar todos los podcasts del blog en IVOOX y ITUNES
 
Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

jueves, 17 de noviembre de 2016

CRÍTICA | BELLE ÉPOQUE, de Fernando Trueba


Una broma, no siempre con gracia, llamada España
BELLE ÉPOQUE, de Fernando Trueba
Óscar y Bafta a la mejor película de habla no inglesa. 9 premios Goya, incluyendo mejor película
España, 1992. Dirección: Fernando Trueba Guión: Rafael Azcona Música: Antoine Duhamel Fotografía: José Luis Alcaine Reparto: Fernando Fernán Gómez, Jorge Sanz, Penélope Cruz, Ariadna Gil, Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca, Mary Carmen Ramírez, Gabino Diego, Michel Galabru, Agustín González, Chus Lampreave, Jesús Bonilla, María Galiana, Joan Potau, Manuel Huete Género: Comedia Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/12/1992
¿De qué va?: A principios de los años 30, un joven desertor vaga por los campos del país en busca de refugio. Manolo, un hombre de principios bastante particulares, decide acogerle en su casa de campo. Cuando las cuatro hijas del hombre llegan a la villa, Fernando se enamora rápidamente de todas.


Belle Époque, el segundo Oscar para España en la categoría de película de habla no inglesa, se convirtió en la cinta española más taquillera de su curso, con un apoyo de crítica, público y festivales pocas veces conseguido por un título patrio. El gran mérito de Trueba fue construir junto a Azcona un guión luminoso, deudor de la screwball comedy norteamericana, el cuento de iniciación sexual que ya fue El año de las luces y un humor muy medido que sume al espectador en un oasis imposible, un espacio utópico, un paréntesis entre las guerras que fueron y las que estaban por venir. Los aciertos se completan con una cantera de actores espléndida, con espacio para los intérpretes clásicos de nuestro cine y aquellos que a principios de los 90 empezaban a reivindicar su espacio. El conjunto, con formas de zarzuela, sainete, prosa unamuniana, tics afrancesados y parodia inteligente, es un punto álgido de un autor y una cinematografía que ha hecho de lo liviano un campo de minas para mirar de frente a nuestros fantasmas, con nostalgia pero sin condescendencia. Por suerte, todas las mozas que pretenden a Fernando, el soldado desertor que interpreta Jorge Sanz con cara de bobalicón, cuentan con escenas de euforia colectiva y lucimiento personal, detalle que engrasa la maquinaria cómica durante todo el metraje. Ver Belle Époque a día de hoy sigue siendo una experiencia, como si todavía fuera posible escabullirse de la gravedad imperante a base de besos a la orilla de un lago, fiestas de carnaval y líos de faldas. La comedia social y coral de nuestras raíces ibéricas, en definitiva, pasada por filtros intelectuales y libertarios, con defensa de la ambigüedad sexual incluida. La "joie de vivre" de una "belle époque" que no aparece en los libros de historia, pero que resistió y sigue persistiendo en nuestro imaginario.


Para los que sortean tiempos difíciles echando mano de inocencia.
Lo mejor: La efectividad de todo su reparto.
Lo peor: La trama eclesiástica merecía más peso.


Más información de BELLE ÉPOQUE en 

miércoles, 16 de noviembre de 2016

CRÍTICA | ECLIPSE TOTAL (DOLORES CLAIBORNE), de Taylor Hackford


Supervivientes
ECLIPSE TOTAL (DOLORES CLAIBORNE), de Taylor Hackford
3 nominaciones a los Saturn Awards: actriz protagonista, actriz secundaria y música original
EE. UU. 1995. Dirección: Taylor Hackford Guión: Tony Gilroy, a partir de la novela de Stephen King Fotografía: Gabriel Beristain Música: Danny Elfman Reparto: Kathy Bates, Jennifer Jason Leigh, David Strathairn, Judy Parfitt, John C. Reilly, Eric Bogosian, Christopher Plummer, Ellen Muth, Bob Gunton, Wayne Robson Género: Thriller psicológico. Drama Duración: 130 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 10/08/1995
¿De qué va?: En una isla remota, Dolores Claiborne trabaja como asistenta de Vera Donovan, una anciana impedida. Cuando Vera aparece muerta, Dolores es acusada de asesinato. La noticia motiva el regreso de Selena, la hija de Dolores, que trabaja en Nueva York como periodista. El reencuentro entre madre e hija abrirá las heridas del pasado y ayudará a esclarecer el crimen de Vera, aunque ello suponga enfrentarse al obcecado jefe de policía de la localidad.


Stephen King es uno de los escritores que más veces ha sido llevado a la gran pantalla. Aunque el autor norteamericano suele mantener relaciones conflictivas con sus adaptaciones, hay que reconocer que de su pluma y del aplomo de una generosa nómina de cineastas han surgido algunos de los fotogramas más importante del cine fantástico de los últimos años. Sin llegar al nivel de los films de Reiner y Darabont, Taylor Hackford consigue en Eclipse total un notable ejercicio de intriga gracias al libreto de Tony Gilroy y sobre todo al convincente trabajo de sus dos actrices protagonistas, Kathy Bates y Jennifer Jason Leigh. La historia de una mujer que es acusada de matar a la dueña de la casa donde trabaja esconde un relato tenebroso de servidumbres, malos tratos, abusos sexuales, traumas familiares, escarnio social e intrigas tanto periodísticas como detectivescas. La gran aportación de Hackford reside en la inclusión orgánica de los flashbacks que complementan el presente de sus protagonistas, una estrategia que dota al film de una densidad psicológica de altísimo nivel. La habilidad del director también hace acto de presencia a la hora de dibujar durante más de dos horas una atmósfera que siempre se intuye turbia, fría, casi irrespirable. Eclipse total rozaría la excelencia si no fuera por un segundo tramo un tanto rocambolesco: la trama se resuelve en un duelo dialéctico entre la hija de la acusada y el policía acusador, una herencia de la novela inicial que en pantalla se intuye efectista. Con todo, los tropiezos del film no deben "eclipsar" las virtudes de una obra recia que, sin salirse de los márgenes del thriller comercial, cincela una historia terrorífica que deja poso. No tuvo demasiada suerte en el momento de su estreno, pero el influjo de Stephen King hará que su nombre perdure durante mucho tiempo en el recuerdo de los amantes del género.


Para amantes del terror sin sangre pero con miga.
Lo mejor: El crimen bajo la oscuridad del eclipse.
Lo peor: Que Kathy Bates no estuviera entre las nominadas al Óscar de su año.

domingo, 13 de noviembre de 2016

CRÍTICA | 100 METROS, de Marcel Barrena


Rendirse no es una opción
100 METROS, de Marcel Barrena
Dirección y guión: Marcel Barrena Fotografía: Xavi Giménez Música: VV. AA. Reparto: Dani Rovira, Karra Elejalde, Alexandra Jiménez, Maria de Medeiros, David Verdaguer, Andrés Velencoso, Bruno Bergonzini, Clara Segura, Alba Ribas Género: Comedia dramática Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 04/11/2016
¿De qué va?: Ramón tiene un trabajo bien posicionado y está a punto de tener a su segundo hijo. Todo se quiebra cuando, al ser hospitalizado tras un brote, descubre que padece esclerosis múltiple. Con la ayuda de su mujer y su suegro, Ramón intentará hacer frente a la enfermedad entrenándose para un maratón deportivo.


En su anterior largometraje, el director Marcel Barrena seguía los pasos de Albert Casals, un joven postrado en una silla de ruedas que recorría medio mundo sin dinero. El mensaje era evidente: las barreras mentales son más difíciles de esquivar que las físicas, por lo que hay que aprovechar cada momento y vivir con la mayor intensidad posible. Esa filosofía de vida, así como la voluntad de Barrena por encontrar historias extraordinarias en seres cotidianos, vuelve a ser el pilar de 100 metros, la historia de un padre de familia al que le diagnostican esclerosis múltiple. Dani Rovira, hasta ahora asociado a registros cómicos, se encarga de interpretar al protagonista, si bien la combinación de instantes dramáticos y cómicos no siempre queda bien resuelta, ni por el propio actor ni por el guión de Barrena. Por ello, lo mejor de la cinta es el contrapunto gamberro que aporta Karra Elejalde, nueva variación del díscolo simpático que lleva interpretando desde tiempos casi inmemoriables. Todos ellos, acompañados de una versátil Alexandra Jiménez y una recuperada Maria de Medeiros, dan forma a un cuento "bigger than life": cómo el protagonista, que al principio no podía andar ni 100 metros, termina entrenándose para realizar una prueba deportiva de 17 horas. Lástima que, para llegar a la meta, el espectador tenga que encajar golpes lacrimógenos (ese ambiente hospitalario "a lo Pulseres Vermelles"). El resultado es una película más sensiblera que sensible, con buenas intenciones, resultados óptimos y menos sutilezas de las que debiera. Rovira hace "un Iron Man" y consigue "un Will Smith": lo que vulgarmente se conoce como un cambio de registro forzado, diseñado única y exclusivamente para colarse de nuevo en la terna de los Goya. A veces, aunque el mensaje sea muy loable, "no todo vale".


Para espectadores que visionan con más corazón que cerebro.
Lo mejor: Karra Elejalde, en su salsa.
Lo peor: Su historia de superación da demasiada cancha a la "americanada" de autoayuda.

sábado, 12 de noviembre de 2016

CRÍTICA | CAPTAIN FANTASTIC, de Matt Ross


 Una prole entrañable
CAPTAIN FANTASTIC, de Matt Ross
Festival de Cannes: Mejor director (Un Certain Regard). Festival de Karlovy Vary: Premio del público
EE. UU., 2016. Dirección y guión: Matt Ross Música: Alex Somers y VV. AA. Fotografía: Stéphane Fontaine Reparto: Viggo Mortensen, George MacKay, Missi Pyle, Kathryn Hahn, Frank Langella, Hannah Horton, Nicholas Hamilton, Steve Zahn, Ann Dowd, Trin Miller, Samantha Isler, Annalise Basso, Shree Crooks, Erin Moriarty, Charlie Shotwell Género: Comedia dramática Duración: 120 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 23/09/2016
¿De qué va?: Tras vivir diez años en los bosques de una zona remota del norte estadounidense, Ben y sus hijos, criados lejos de la civilización, recorren medio país para asistir al funeral de su madre.


El cine indie norteamericano de vez en cuando tiene la necesidad de cuestionarse el sistema de valores imperante. De esa vertiente crítica, junto a una voluntad por actualizar la comedia familiar de toda la vida, surge Captain Fantastic, el periplo por carretera, como las mejores road movies emocionales, de un patriarca y su prole, criados en plena naturaleza sin apenas recursos. Los protagonistas tienen como destino el funeral de la madre, que decidió suicidándose en extrañas circunstancia. Y por el camino, como no podía ser de otra manera, salen a relucir las pulsiones de todos los integrantes: las dudas del hermano mayor, que esconde su deseo por iniciar sus estudios universitarios; las carencias de los hermanos medianos, que, pese a dominar todos los principios de supervivencia y distintos datos bibliográficos, desconocen los mecanismos del mundo real; y las divertidas confusiones de los más pequeños, que asumen como un juego una dinámica pedagógica que cuestiona las bases educativas más arraigadas. De esa unión de contrastes surge una fábula que equilibra provocación con inocencia, diversión y reflexión, irrealidad y verismo. Aun cuando el guión de Matt Ross, uno de los más originales del año, cae en ternurismos peligrosos, sobre todo en el segundo tramo de metraje, la película sigue resultando una bocanada de aire fresco. Libertad que nunca deriva en anarquía porque, en el fondo, Captain Fantastic sigue a pies juntillas los estilemas de su corriente (ahí están los planos generales con estampas naturales, silencios recurrentes a golpe de músicas ambientales y gags medidos como la visita del policía al vehículo familiar o el robo en el supermercado). Si Wes Anderson hubiera filmado Hacia rutas salvajes (Into the Wild), el resultado no hubiera diferido demasiado de esta entrañable Captain Fantastic. En resumen, una película reconocible a la par que original, una de esas historias que nos deja una sonrisa de boca a oreja y activa nuestro cerebro.


Para espíritus indomables que siempre han ido por libre.
Lo mejor: Sabe ser divertida y a la vez trascendente.
Lo peor: Su vena "fairy tale" le juega alguna que otra mala pasada.