miércoles, 28 de junio de 2017

CRÍTICA | DÍAS EXTRAÑOS, de Kathryn Bigelow


DÍAS EXTRAÑOS (STRANGE DAYS)
Saturn Award a la mejor dirección e interpretación femenina protagonista
EE. UU., 1995. Dirección: Kathryn Bigelow Guión: James Cameron y Jay Cocks Reparto: Ralph Fiennes, Juliette Lewis, Angela Bassett, Tom Sizemore, Michael Wincott, Vincent D'Onofrio, Josef Sommer, Glenn Plummer, William Fichtner, Richard Edson, Joe Urla Fecha de estreno en España: 12/04/1996 Tráiler: Link


Crítica José: Días extraños tiene un argumento bastante novedoso. Una serie de crímenes son grabados mediante un programa que hace sentir al que lo usa la misma emoción que sintió el autor de la acción. El dispositivo te permite ser otra persona por unos segundos, o al menos jugar con la idea de ser por un momento el invidividuo que te hubiera gustado ser. La idea da pie a una trama policiaca poco convencional y a un discurso que nos sumerge en la soledad y en el caos. También esconde una reflexión de la nostalgia: en la vida real vuelves a tu pasado por medio de la memoria, pero en Días extraños todo ello llega a su máximo exponente, pues en la película se pueden revivir literalmente ese pretérito que probablemente ha sido magnificado. Se pone en juicio, en definitiva, el mundo tecnológico que nos rodea y su capacidad de "autoengaño". La recomiendo a todos los amantes de la buena ciencia ficción y a aquellos que les gusten las estéticas postmodernas o de cómic. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: Kathryn Bigelow a lo largo de su carrera ha ejercido más veces las funciones de directora que de guionista, y debo admitir que hasta ahora no he tenido la oportunidad de ver una película escrita y a la vez dirigida por la cineasta estadounidense; sin embargo, sí he podido disfrutar varios de sus trabajos como realizadora en títulos recientes como En tierra hostil y La noche más oscura, películas que sin duda son un reflejo de cómo Bigelow a lo largo de los años ha ido perfeccionando su estilo. Días extraños es uno de los films noventeros de la cineasta, época en la que ya se podía atisbar su prometedora carrera. La cinta parte de una premisa interesante y futurista que intentaba adelantarse a su momento, y que en su puesta en escena y dirección da como resultado final una obra trepidante que logra entretener al espectador (incluso ahora, casi veinte años después) y además nos brinda algunas interpretaciones muy correctas, que hacen que Días extraños funcione a pesar de tener un tramo final un tanto rocambolesco. Nota: 6 / 10


Crítica Ronnie: Una mirada futurista de lo que sería el inicio del nuevo milenio. Ahora, en la distancia, resulta curiosa, pero no deja de ser efectiva como una visión del futuro en esa época. El fin del mundo está sentenciado debido a la falta de nuevas tecnologías y esto parece ser la clave para el declive de la humanidad. Días extraños es una película de ciencia ficción tremenda que en su momento pasó bastante desapercibida, pero que por obvias razones vale la pena revisitar hoy en día. La genialidad de Ralph Fiennes siempre se agradece y Angela Bassett es una auténtica delicia, mientras Juliette Lewis va de lo mismo, de "la Lewis", como acostumbraba en todas sus películas. En general Kathryn Bigelow se anota un gran acierto con esta cinta noventera a la que, si bien llegamos a notar un poco la mano de James Cameron, pasamos por alto la intromisión. Una película altamente recomendable (y escribe alguien que ama las películas de ciencia ficción). Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Antes de En tierra hostil, la carrera de Bigelow discurría un tanto errática, experimentando con fórmulas y tramas casi antónimas. De esa capacidad de adaptación, de su paciencia y de su evidente manejo de la narrativa cinematográfica, patente incluso en sus trabajos más desiguales, ha surgido una de las carreras más incatalogables que haya visto Hollywood en los últimos años, una rareza que trasciende su condición de mujer (o, si nos ponemos "amarillistas", su título de ex pareja de James Cameron). En esta distópica Días extraños atisbo la Bigelow valiente, exploradora y trabajadora infatigable. La directora pone toda la carne en el asador, pero la historia da poco de sí, hasta el punto de diluirse y caer en el absoluto ridículo a medida que el calendario se va acercando al cambio de milenio. A diferencia de otros apocalipsis noventeros, Días extraños no sólo ha perdido atractivo, sino que su discurso sobre las nuevas tecnologías y la "ciberdelincuencia" resulta bastante naïf. A ello contribuye especialmente una estética "a lo Blade Runner", absoleta en pleno 2017. En pocas palabras, un desastre de dimensiones considerables. Pero no nos pongamos las manos a la cabeza. Por suerte, el siglo XXI es muchísimo más halagüeño, para Bigelow y para todos nosotros. Un día extraño, incluso malo, lo tiene cualquiera. Nota: 5 / 10

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martes, 27 de junio de 2017

CRÍTICA | SIETE MIL DÍAS JUNTOS, de Fernando Fernán Gómez


SIETE MIL DÍAS JUNTOS
Festival de Peñíscola: Mejor director
España, 1994. Dirección: Fernando Fernán Gómez Guión: Javier García Mauriño, Fernando Morales y Fernando Fernán Gómez, a partir de un argumento de Luis Alcoriza Reparto: José Sacristán, María Barranco, Pilar Bardem, Agustín González, Chus Lampreave, Pedro Beltrán, Tina Sáinz Fecha de estreno en España: 27/01/1995 Tráiler: Link


Crítica José: Fernán Gómez es un maestro en la ejecución de las escenas. Logra transmitir las impresiones de todos los personajes ante los acontecimientos y, sobre todo, refleja un ambiente esperpéntico, cargado de ironía. La narración final es la mejor prueba de que la película tiene un ritmo y una calidad tremendos. Con el elenco de actores que participan en esta cinta es muy difícil fallar. Admirable reflexión sobre el infierno en el matrimonio. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: En Siete mil días juntos asistimos a la historia del matrimonio conformado por Matías y Petra, una pareja muy singular que tras dos décadas juntos empiezan a sentir cómo las diferencias personales se vuelven cada vez más insoportables. Una insatisfacción personal que se tornará en una fatal batalla marital donde sus protagonistas jugarán con astucia todas sus cartas. Bajo esta premisa se desarrolla el metraje de una tragicomedia que convierte al espectador en testigo y cómplice de los conflictos que surgen entre sus protagonistas, jocosas situaciones que, al mismo tiempo, dan pie a momentos más ominosos en su relato. Sin duda Fernán Gómez logró dirigir con mucho acierto un guión intrigante con mucho humor negro y unos personajes la mar de curiosos (incluso los secundarios). Debemos destacar la sobresaliente interpretación protagónica de José Sacristán y Pilar Bardem. Una película sumamente interesante y entretenida con un reparto en estado de gracia. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Una comedia negra muy "españolizada" que podría generarle problemas semánticos al espectador extranjero pese a ser altamente disfrutable, más si cabe teniendo en cuenta que José Sacristán y Pilar Bardem bordan sus papeles. Ambos interpretan el matrimonio en el que se centra el conflicto, plagado de situaciones incómodas. Debo contarles que tengo una especial predilección por el cine de Álex de la Iglesia, y esta película me ha parecido un buen ejercicio narrativo con un tono sarcástico y con atmósferas tan sórdidas que incluso pueden llegar a incomodar a la audiencia. Bien por el director, que sabe abordar el tono perfecto para que su obra funcione. Nota: 8 / 10


Crítica Xavier: Los fantasmas de la España de El extraño viaje, obra cumbre de Fernán Gómez, sobrevuelan esta Siete mil días juntos, tragicomedia que describe la España de ancianos y barrios posterior a la Transición. Recorrida por una ironía extraña (primero esperpéntica, luego negra), la película cuenta las vicisitudes de un matrimonio en horas bajas. Él no soporta los desprecios que recibe de su mujer. Ella manipula a su entorno para quedar como víctima ante todo el mundo. Ambos conocen las flaquezas del otro, y cada uno por su parte, en silencio y con alevosía, intentan destruir a su cónyuge, convertidos en némesis por obra y gracia de siete mil días de insoportable convivencia. El resultado es una película que entusiasmaría por igual a Galdós y a De la Iglesia, a clásicos y a hipsters. Costumbrista y surrealista en dosis muy medidas, tan calculadas como sus ensoñaciones a base de ácido sulfúrico y veneno azucarado. No cabe ninguna duda de que España, antes y ahora, es la eterna metáfora de dos frentes que, en su animadversión, encuentran su razón de ser. O, si se quiere, de una morgue plagada de víctima, verdugos... y médicos forenses con instintos violadores. ¡Cuánto se le echa de menos, señor Fernán Gómez! Nota: 7 / 10

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lunes, 26 de junio de 2017

CRÍTICA | NIÑOS DEL PARAÍSO, de Majid Majidi


NIÑOS DEL PARAÍSO
Nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Festival de Montreal: mejor film
Irán, 1998. Dirección y guión: Majid Majidi Reparto: Amir Naji, Amir Farrokh Hashemian, Bahare Sediqi Fecha de estreno en España: 08/10/1999 Tráiler: Link


Crítica José: Una historia que nos relata la vida de Ali y de Zhore. Ali pierde los zapatos de su hermana pequeña Zhore. Sus padres no pueden permitirse comprar un par nuevo de zapatos, por lo que deciden compartir calzado. Niños del paraíso es una muestra de que se puede hacer cine hermoso sin necesidad de utilizar efectos visuales ni grandes estudios. Irán, como prueba esta cinta, es digna representante de un cine hecho con el corazón. Podría nombrarla una joya, pese a que su nivel técnico es casi nulo. La fuerza de la historia es tan avasalladora que nos empuja a seguir a sus personajes e involucrarnos en sus pericias. Nos angustiamos y sonreímos al compás que nos marca su director hasta un final desgarrador, soberbio y efectivo. Majadi nos da una lección: en el cine, lo importante no son las películas sino la historia que quieres contar y las ganas de contarla bien. Nota: 10 / 10


Crítica Mayra: El argumento de Niños del paraíso, quizás a priori, y sobre todo para aquellos que hemos visto poco cine iraní, puede parecer poco atractivo; sin embargo, la película se desarrolla de una manera tan ágil y conmovedora que resulta imposible para el espectador apartar su mirada un solo segundo. Majidi no sólo nos presenta una historia muy humana con personajes portadores de una basta carga dramática capaz de causar empatía, sino que también propone una obra que a pesar de sus carencias en cuanto a presupuesto consigue entretener e implicar al espectador en las adversidades diarias de sus dos infantes protagonistas. Una aventura que retrata la pobreza económica pero al mismo tiempo resalta la bondad que es capaz de albergar el ser humano. Estamos ante un guión sencillo pero tan bien engranado e interpretado que consigue calar hondo en el espectador, y convertirse en 90 minutos de puro cine. Mientras veía la escena final de Niños del paraíso, las palabras que pasaron por mi mente fueron: "películas como esta son la razón de que ame tanto el cine". Desde ya, uno de mis films favoritos de este CSF. Nota: 8 / 10


Crítica Ronnie: Niños del paraíso obtuvo de una manera muy justa la nominación al Óscar a la mejor película extranjera y, aunque no se llevó la estatuilla, se hizo con el premio más importante que uno pueda ganar: el corazón del público, que supo apreciar una historia que a simple vista parece muy pequeña pero que crece gracias a su manufactura. Perder un par de zapatos se convierte en un acontecimiento que expone la humilde vida de Irán y las grandes diferencias sociales entre sus habitantes (es importante tener en cuenta que estas diferencias no eliminan la bondad de los más humildes). El guión utiliza emociones con las que uno no puede evitar el sollozo en ciertas escenas, y en otras la misma situación nos hace esbozar una sonrisa. Son esas emociones contenidas las que le dan a la cinta ese poder de transmitir su mensaje principal exponiendo una realidad que a veces nos es imposible asumir en nuestras vidas cuando tenemos tantas cosas y oportunidades en nuestro camino. La actuación de los dos pequeños es sumamente increíble: la niña, toda una ternura; y el pequeño, todo un bastión de coraje y valentía. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: De todo el boom que vivió el cine iraní en los 90, Niños del paraíso fue de largo la cinta más popular y la única que llegó a pisar la alfombra roja de los Óscar. Tal vez porque Kiarostami resulta demasiado introspectivo para el gran público o porque el militarismo de Panahi y la saga Makhmalbaf no acaba de casar con la mentalidad occidental, Majid Majidi, de entre todos los nombres de su país, vivió una exposición internacional inusual que a posteriori mantuvo con películas igual de notables como El color del paraíso y Baran (Lluvia). Méritos no le faltan: estamos ante un cuento precioso y preciso sobre la miseria, sus víctimas y sus consecuencias. Con la verdad y la bondad del neorrealismo de De Sica. Con interpretaciones plenamente convincentes. Con la que es tal vez la relación entre hermanos más bonita de los 90. Diga lo que diga Hollywood, el héroe de Niños del paraíso entronca con los pequeños protagonistas de ¿Dónde está la casa de mi mejor amigo? o Buda explotó por verguenza. Por su tenacidad y pureza. Por demostrarnos en este rincón del Primer Mundo que, cuando no se tiene nada, cuesta menos dar lo que se tiene. Una paradoja de alto nivel cinematográfico y de gran contenido educativo. Nota: 8 / 10

domingo, 25 de junio de 2017

CRÍTICA | PROFUNDO CARMESÍ, de Arturo Ripstein


PROFUNDO CARMESÍ
9 premios Ariel y 3 premios del Festival de Venecia
México, 1996. Dirección: Arturo Ripstein Guión: Paz Alicia Garciadiego Reparto: Daniel Giménez Cacho, Regina Orozco, Marisa Paredes, Patricia Reyes Spíndola, Julieta Egurrola, Rosa Furman, Verónica Merchant, Sherlyn Fecha de estreno en España: 04/10/1996 Tráiler: Link


Crítica José: El retrato putrefacto del ser humano se puede ubicar directo en esta historia, llena de desencanto, indignidad y bajeza. No existen límites. El negocio es redondo. La falta de cariño y compañía es el gancho perfecto. Sin escrúpulos, Nicolás se deshace de las mujeres que seduce y roba. El acomplejado galán que esconde su calvicie. Coral es una mujer sin dignidad, desvergonzada e irresponsable, incapaz de tener amor propio y por tanto menos para sus hijos. Egoísta por naturaleza. El caso es que ambos se enamoran, y el suyo es un amor apasionado y destructivo; un amor fatal, no sólo para ellos, sino también para todos los que se les ponen por delante. Son pocas las películas que he visto de Ripstein, pero en todas he podido apreciar ese toque para contar historias muy extrañas. Profundo carmesí no es la excepción. En esta cinta encontramos una pareja decidida a hacer lo que sea por dinero, utilizando como pretexto el destino y el amor. La película ofrece imágenes inéditas, situaciones repulsivas, actos escabrosos y buenas actuaciones. Nota: 8 / 10


Crítica Mayra: Profundo carmesí está ambientada en los años 40 y narra la relación entre un hombre vividor de pasado turbio y una madre soltera en busca de afecto. Ambos terminan uniendo sus desequilibradas vidas e iniciando una relación obsesiva y destructiva que, a la postre, los convierte en algo incluso peor. La cinta cuenta con una destacable labor interpretativa por parte de sus actores protagonistas (Giménez y Orozco), quienes encarnan dos personajes por los que se llega a sentir tanta pena como aversión. Profundo carmesí tiene una historia muy bien dirigida y desarrollada, aunque en un principio tiene personajes y situaciones que rozan el ridículo, si bien, conforme avanza el metraje, se añade un tono provocador y arriesgado que plasma en sus imágenes una dureza y crueldad que resulta inquietante. Reconozco que de la filmografía de Arturo Ripstein sólo he visto El castillo de la pureza, así que poco puedo hablar del estilo habitual del cineasta mexicano en sus obras; sin embargo, de lo visionado hasta ahora, empiezo a creer que las películas de Ripstein, para bien o para mal, no dejan indiferente. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Estamos ante una de las mejores películas del cine mexicano. Arturo Ripstein y Paz Alicia Garciadiego (su esposa) han trabajado juntos desde hace mucho tiempo en infinidad de proyectos, pero esta película resulta una verdadera exquisitez en cuanto a historia y dirección. Coral (Regina Orozco) una enfermera pasada de peso e insatisfecha con la vida, madre de dos hijos, enamorada de Charles Boyer, contacta a través de las páginas de "corazones solitarios" con un galán que presume su gallardía española, Nicolás (Daniel Gimenez Cacho), un gañán que enamora a mujeres solitarias para robarlas y matarlas. El gran acierto del realizador y la escritora fue trasladar el relato original a la escena mexicana de 1949, y lo que comienza como una comedia ligera culmina en uno de los melodramas más atroces y crueles de la marquesina nacional. Ripstein perpetua cuadro a cuadro una acción que equilibra a la perfección lo absurdo y lo grotesco sin concesiones sentimentales. Dos almas apasionadas y perdidas que cruzan su camino con desgana, y que terminarán teniendo una malsana independencia. La interpretación de Regina Orozco como Coral es una cátedra de actuación que solo alguien de la talla de Orozco podría haber interpretado. Los elementos destacables de la película son el guión, la fotografía, el reparto, la dirección y la ambientación. Una mezcla de amor enfermizo, ambición, fe, ingenuidad, odio, compasión, soledad, desesperación y traición. La cinta está basada en un acontecimiento real, ocurrido en Estados Unidos, que fue llevado al cine en 1970 bajo el nombre de The Honeymoon Killers, un clásico para los amantes de los serial killers de serie B. En el 2006, el nieto del policía que investigó el caso llevó al cine el relato original bajo el nombre de Lonely Hearts, protagonizado por Jared Leto y Salma Hayek como pareja principal. De igual manera, un episodio de la serie norteamericana Cold Case trató el tema en una ocasión. Nota: 10 / 10


Crítica Xavier: El cine mexicano, fiel a su feísmo y a su sentido estilizado del "culebrón", viene regalándonos desde varias décadas algunas de las películas más ingratas del panorama hispano. Ripstein, en ese contexto, merece ser considerado el padre de toda la generación presente que llena festivales de forma no siempre merecida (Escalante, Franco y compañía). Profundo carmesí confirma a su artífice como retratista de una sociedad corrompida en todos los ámbitos. En la ficción (para más inri, basada en hechos reales), dos amantes criminales se aprovechan de los resquicios del sistema para, cual road movie sangrienta, dejar a la superficie los males endémicos de los que son verdugos y, a la postre, víctimas. La crudeza, la miseria, la humedad, la crueldad y la locura calan hondo, traspasan la pantalla y ponen al espectador en tesituras incómodas, con una explicitud y una plasticidad mugrienta pocas veces alcanzada por otras cinematografías. Esa es su gran virtud, pero también su principal talón de Aquiles. Ripstein, en pos de la provocación, resulta más incómodo que crítico. Queda, por lo tanto, una película meritoria, con su mal aliento, su capa de pus, su luz ámbar, relicarios convertidos en armas homicidas y tierras áridas en las que cualquier atisbo de humanidad se antoja tan utópico como agua en pleno desierto. Demos gracias a que Donald Trump carece de la inteligencia suficiente para entenderla, porque, de hacerlo, construiría su dichoso muro ipso facto. Nota: 7 / 10

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sábado, 24 de junio de 2017

CRÍTICA | DIOSES Y MONSTRUOS, de Bill Condon


DIOSES Y MONSTRUOS
Óscar al mejor guión adaptado. Globo de oro y Bafta a la mejor actriz secundaria
Independent Spirit Award a la mejor película. San Sebastián: mejor actor y premio del jurado
EE.UU., 1998. Dirección: Bill Condon Guión: Bill Condon, a partir de la novela de Christopher Bram Reparto: Ian McKellen, Brendan Fraser, Lynn Redgrave, Lolita Davidovich, Kevin J. O'Connor, David Dukes, Brandon Kleyla, Pamela Salem, Michael O'Hagan Fecha de estreno en España: 18/03/1999 Tráiler: Link


Crítica José: James Whale, autor de Frankenstein. James Whale, quien fuese un director repudiado por no ocultar su homosexualidad dentro de un Hollywood cínico e hipócrita. Relato de su vida y de su única compañía: su ama de llaves. Pero un día comienza una relación con su jardinero, un hombre apuesto al que deposita toda su confianza para contar su historia en el Hollywood de los años 30. Bill Condon nos ofrece en su ópera prima las historias de personajes acabados, perdedores y humillados, pero que se muestran con un gran esplendor. Bill Condon nos ofrece una fantasía de lo que pudieron ser sus últimos días de vida, la compleja relación que mantiene con su jardinero, un muchacho ansioso por aprender. El trabajo de la pareja de actores es impresionante. Se habla mucho de la gran y magistral actuación de Ian McKellen, pero Brendan Fraser entrega una gran actuación. Una cinta dolorosa, muy humana y conmovedora sin llegar jamás a acercarse a las lindes ni de lo sensiblero ni de lo sentimental. Nota: 9 / 10


Crítica Mayra: Dioses y monstruos sin duda es una de las obras más destacables de la filmografía del director Bill Condon. El film, adaptación de la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram, obtuvo tres merecidas nominaciones a los premios Óscar de su año. La cinta es un interesante biopic sobre la vida, o mejor dicho, los últimos días de la vida del director James Whale; una época que el metraje retrata con cierta retrospectiva en medio de flashbacks y curiosas ensoñaciones que nos acercan a la vida interior de un Whale entrado en años, enfermo, solitario y nostálgico, un personaje interpretado con mucho acierto por parte de Ian McKellen y acompañado por un correcto Brendan Fraser. Dioses y monstruos tiene una ambientación muy lograda y su guión, fotografía y montaje tienen un ritmo correcto que se acopla con la nostálgica narración sobre el cine, la amistad, el amor y el paso y peso del tiempo en sus personajes. Sin duda el apartado más destacable del film es el interpretativo: Lynn Redgrave, Brendan Fraser y sobre todo Ian McKellen aportan grandes interpretaciones a esta interesante historia. Un relato curioso, entretenido y muy recomendable. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: La película de Bill Condon es un profundo y respetable retrato de la soledad humana; el impacible final de una mítica figura del cine, James Whale, un director alabado y recordado principalmente por sus legendarios trabajos Frankenstein, The Bride of Frankenstein y The Invisible Man; y a su vez repudiado por no ocultar sus preferencias sexuales en un Hollywood hipócrita. Esta película no es ni soberbia ni sentimental: sigue el abrumador camino de la fragilidad humana, con pinceladas de amor y admiración. Dioses y monstruos es una obra conmovedora, que te acerca al tormento final de una mente brillante, un artista que ve como su presente se va sumiendo poco a poco en el pasado del que siempre huyó, pero que termina siendo su lecho de muerte una vez que él mismo ha aceptado la inevitable verdad de sus ultimos días. La obra está basada en la novela El padre de Frankenstein de Christopher Bram y se aleja de los clásicos biopics a los que Hollywod nos tiene acostumbrados, ya que profundiza de una manera poco habitual en la vida de Whale durante sus ultimos días. Ian McKellen demuestra porque es un mosntruo de la actuación y le secundan perfectamente bien Lynn Redgrave y Brendan Fraser (es una lástima que este último haya hundido su carrera con apoteósicas e infames cintas taquilleras). Termino esto con las bellas palabras escritas por Whale en su nota de suicidio: El futuro está lleno únicamente de dolor y viejos recuerdos... Necesito estar en paz y este es el único modo de lograrlo. Mi vida ha sido maravillosa. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Antes de deslucir su currículum con "Crepúsculos" y "Bellas y Bestias", Bill Condon era un director de enorme solvencia, capaz de abordar películas de perfil tan difícil, también tan atractivo, como esta Dioses y monstruos, para siempre recordada por tener el mejor trabajo interpretativo de Ian McKellen y Brendan Fraser. En ella pulula el recuerdo del Old Hollywood, aquella edad de oro que el noir de los 40 y 50 filmaba entre flashes de cámaras y tinieblas al más puro estilo El crepúsculo de los dioses. También una doble historia de amistad, reminiscencias del melodrama de épocas pretéritas (Whale y los vínculos con su jardinero y su criada). Incluso la inteligencia de una premisa que eleva el tan codificado biopic a registros muchísimo más poéticos. El resultado es una película bella, preñada de cine y de cinefilia, clásica y moderna, respetuosa e irreverente, triste y a la vez recorrida por una finísima ironía. Una reflexión sobre los monstruos que nos atenazan, ya sea en forma de criaturas fantásticas o de miedos más reales. Señor Condon: déjese de "chuminadas" y vuelva a filmar películas como esta. Nota: 7 / 10

viernes, 23 de junio de 2017

CRÍTICA | LOS CASOS DE VICTORIA, de Justine Triet



La evasión de Victoria
LOS CASOS DE VICTORIA, de Justine Triet
Festival de Cannes 2016: Semana de la crítica, film inaugural. 5 nominaciones a los Premios César
Francia, 2016. Dirección y guión: Justine Triet. Fotografía: Simon Beaufils Reparto: Laure Calamy, Virginie Efira, Vincent Lacoste, Emmanuelle Lanfray, Laurent Poitrenaux, Melvil Poupaud Género: Tragicomedia judicial Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 25/08/2017
¿De qué va?: Victoria, una abogada penalista de prestigio, asiste a la boda de su amigo Vincent. En el enlace coincide con Sam, un antiguo cliente suyo. A la mañana siguiente, Vincent es acusado de asesinato, y Victoria, ayudada por Sam, emprende su defensa. 


No sólo de blockbusters norteamericanos vive el hombre. La cartelera veraniega impone sus reglas y promete estar monopolizada por los superhéroes de siempre. Al rescate de esta pírrica oferta cinematográfica viene una abogada con severos problemas personales. Ya sea ante el estrado o en las interioridades de su piso, la protagonista de Los casos de Victoria pasea sus desórdenes psico-romántico-laborales para diversión de galicistas varios. La cinta de Triet es irreprochable, incluso ostenta momentos realmente inspirados y puede servirse a modo de sorbete fílmico. El problema es que el caso (en singular, por mucho que la traducción española sea más generosa) lo conocemos de antemano. Dicho de otra manera: se trata de una propuesta que hemos visto en multitud de ocasiones. Y permítanme unas palabras de juez resabiado: llegados a estas alturas, es difícil que los compatriotas de Macon "nos la vuelvan a colar". Ofrecemos pruebas para el jurado: en Francia se estrena este agosto Que Dios nos perdone, evidencia de que en el trueque salimos perdiendo nosotros. Los casos de Victoria cumple con la fórmula de lo que en esta parte del mediterráneo identificamos como "una película muy francesa": una actriz con talento (guapa, para más inri), un guión raquítico con mucho vocablo (si es de inspiración alleniana, mejor), un metraje ajustado (hay que llegar a todos los públicos), un palmarés abultado para lucir en su cartel promocional (la idea no es ser bueno: se trata de parecerlo) y una pátina de elegancia que, "quelle surprise", sólo ostentan nuestros vecinos (para gozo de los más gafapastas). Caso cerrado, señoría.


Para culpables con buen fondo que sueñan con una abogada escultural.
Lo mejor: Virginie Efira, cada día más (re)conocida.
Lo peor: Combinar cinismo y vacío tiene sus consecuencias. 

jueves, 22 de junio de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X28 - ESTRENOS JUNIO 2017


Programa nº 51 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Repaso a los estrenos más destacados del mes de junio, con la colaboración de Mayra Meza, Álex Tielas, Javi Burriel y Guillermo Navarro. ¡Gracias por darle al play!


Guía de programa:
1' Presentación - 4' Noticias - 12' Blockbuster del mes: WONDER WOMAN, LA MOMIA y PIRATAS DEL CARIBE 5 - 29' Director del mes: Nicole Garcia y EL SUEÑO DE GABRIELLE - 35' Estrenos en streaming: MÁQUINA DE GUERRA, THE WIZARD OF LIES y PEQUEÑOS DELITOS - 41' Cartelera: Norman, El caso Sloane, Testigo, I am not a serial killer, Paula, Marie Curie, El invierno, American Pastoral, Clash y Nagasaki - 61' Series: TWIN PEAKS, EL CUENTO DE LA CRIADA y AMERICAN GODS - 67' DVD: CERTAIN WOMEN y 20TH. CENTURY WOMEN - 73' Tráiler del mes: ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS - 77' Banda sonora del mes: TOM À LA FERME, de Gabriel Yared - 84' Despedida y canción: To Be Human, de Sia

Estrenos del mes:
Especiales CINE DE LOS 90:

Episodios anteriores:

Puedes escuchar todos los podcasts del blog en IVOOX y ITUNES
 
Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

miércoles, 21 de junio de 2017

SEMANARIO 114 | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL: TRABAJOS NOVELES


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. En el margen derecho del blog, en la sección 'Semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 1
SUERTE, de Antonio Gómez 

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 2
PSICOPATÍA, de Miguel Machuca


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 3

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 4
MALTRATO, de Felipe del Val 

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 5
UTILIDADES, de Dialoguista 

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 6
CINE DE GUERRILLA, de Jaime Zaragoza

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 7
VOLVIERON, de Ávaro Mazuela

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 8
GITANO, de Nicolás Aravena

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 9
EGO DE ACTOR, de Javier Gómez

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 10
DE LOBOS Y OVEJAS, de Marcelo Fabani

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 11

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 12
ELLE OSCURIDAD, de Gabriel Fojar

CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 13
NO HAY RIVAL PEQUEÑO, de José Luis Serrano


CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017 | Trabajo novel Nº 14
LA ELECCIÓN ES TUYA, de David González


martes, 20 de junio de 2017

PALMARÉS | CINOSCAR SUMMER FESTIVAL 2017: TRABAJOS NOVELES

Tras publicar los 14 trabajos noveles a concurso de nuestro Cinoscar Summer Festival, el jurado del certamen (formado por Andrés Borja, Mayra Meza, Guillermo Navarro y Xavier Vidal) han decidido conceder las siguientes menciones. Mañana daremos a conocer en nuestro grupo de facebook el vencedor del premio del público. ¡Felicidades a los premiados!

MEJOR CARTEL


MEJOR CONTRIBUCIÓN MUSICAL


MEJOR CONTRIBUCIÓN TÉCNICA


MEJOR REPARTO


MEJOR GUIÓN


MEJOR ACTRIZ


MEJOR ACTOR


MEJOR TRABAJO NOVEL (2º premio)


MEJOR TRABAJO NOVEL (1º premio)


Durante la semana, los ganadores recibirán por mensaje privado los diferentes diplomas acreditativos. ¡Gracias a todos por participar en nuestro Cinoscar Summer Festival!