miércoles, 18 de octubre de 2017

CRÍTICA | HANDIA (AUNDIYA), de Jon Garaño y Aitor Arregi


La altura del cine vasco
HANDIA (AUNDIYA)
Festival de San Sebastián: Premio especial del jurado
España, 2017. Dirección: Jon Garaño y Aitor Arregi Guión: Jose Mari Goenaga, Andoni de Carlos, Jon Garaño y Aitor Arregi Fotografía: Javier Agirre Música: Pascal Gaigne Reparto: Ramón Agirre, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Aia Kruse, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte Género: Drama histórico Duración: 110 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 20/10/2017
¿De qué va?: Al regresar del frente de la Primera Guerra Carlista, Martín descubre que su hermano Joaquín es mucho más alto de lo normal. La curiosidad que despierta el "gigante de Gipuzkoa" llevará a los hermanos por distintos lugares de España y del extranjero, una experiencia que cambiará su vida. Basada en hechos reales.


Con Loreak, la cinematografía vasca alcanzó una cima indiscutible. Correspondía, por lo tanto, a los directores de esa joya ampliar todavía más los horizontes del cine hablado en euskera y con capacidad para llegar a todo tipo de públicos, un reto que se materializa ahora en esta Handia (Aundiya), la producción más elaborada, al menos en términos de factura técnica, que haya tenido jamás la ficción vasca. Garaño y Arregi conjugan a modo de cuento la historia de un gigante en pleno siglo XIX, una narración que se desarrolla en distintas capas: es, en esencia, la historia de dos hermanos y sus circunstancias, una bonita metáfora sobre la intransigencia de una sociedad empobrecida e incluso una trama que, en sus reivindicaciones sociales e idiomáticas, tiende distintos puentes con la actualidad de nuestro país (sirvan de ejemplos el paródico encuentro con la reina Isabel y la constante reivindicación del gigante Joaquín de sus raíces, cuestiones que esconden ramificaciones muy complejas, más contemporáneas de lo que podría parecer a simple vista). A pesar de contar con un presupuesto muy medido, y aunque el guión salta constantemente de tiempos y escenarios, hay que aplaudir la credibilidad y la belleza que Garaño y Arregi imprimen a todos los fotogramas de la película, sin que el espectador pueda intuir la tramoya o el artificio propio de cualquier producción de época. Tan sólo resta a Handia, paradójicamente, cierto complejo de "gigantismo", como si la historia, consciente de sus complejidades, quisiera abarcar demasiado y dejar intuir mucho más. Handia no siempre resulta todo lo convincente o sutil que debería, aunque el cómputo global nos deje una cinta estimable, la representante de un cine malentendido como "periférico" que reclama toda nuestra atención. Disensiones aparte, y en sentido estricto, Garaño y Arregi han expandido su nómina de méritos: ahí está el Premio especial del jurado del último Festival de San Sebastián y su excelente dirección artística, merecedora de todos los Goyas que se tercien. El futuro dirá qué lugar ocupa Handia en la pujante trayectoria del audiovisual vasco, aunque tiene las sobradas virtudes como para convertirse en un hito de nuestro cine.


Para amantes de las fábulas exquisitamente rodadas.
Lo mejor: Su envoltorio técnico.
Lo peor: La suma de sus partes no siempre está cohesionada. 


Más información sobre HANDIA en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 2

Escucha nuestra reseña de HANDIA en
EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (II)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 12
VIEJO CALAVERA, de Kiro Russo (Bolivia)
Proyectada en los Festivales de Hamburgo, Locarno y San Sebastián 2016 | Sinopsis: Después de la muerte de su padre, Elder Mamani se ve obligado a vivir con su abuela en las afueras de la pequeña ciudad minera de Huanuni. Su padrino Francisco le consigue trabajo en la mina, pero él no demuestra el más mínimo interés y se la pasa bebiendo y metiéndose en problemas constantemente | Tráiler: Link
Dato: Bolivia concurre a los Academy Awards desde el año 1995, hasta el momento, no ha conseguido la nominación. Viejo calavera, ópera prima de Kiro Russo es la novena representante del país sudamericano en los Óscar. 

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 13
MEN DON'T CRY (Muskarci ne placu), de Alen Drljevic (Bosnia & Herzegovina)
Premio especial del jurado del Festival de Karlovy Vary | Sinopsis: Cuenta el reencuentro de un grupo de veteranos de la Guerra de Yugoslavia en un conjunto de reuniones pacifistas | Tráiler: Link |
Dato: Desvinculada de Yugoslavia, y a pesar de concurrir al Óscar en el año 1994 y 2001, Bosnia & Herzegovina no mandó regularmente un film a Hollywood hasta 2003. Todos sus films versan sobre las huellas del conflicto de los Balcanes. Danis Tanović es su director estrella con 4 participaciones, mientras que su actor fetiche es Emir Hadžihafizbegović, protagonista de 6 elegidas. Hasta la fecha, el país suma una única candidatura que, además, se alzó con la estatuilla: En tierra de nadie del citado Tanović, que se impuso a títulos como Amélie y El hijo de la novia.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 14
BINGO: THE KING OF THE MORNINGS (Bingo: O rei das manhãs), de Daniel Rezende (Brasil)
Sinopsis: Narra la historia de Augusto, un artista que busca ser reconocido y encuentra su oportunidad dando vida al personaje de un payaso en un famoso programa de televisión. Los conflictos personales, laborales y adicciones del personaje se retratan en el film: Biopic del artista Arlindo Barreto, reconocido por interpretar una de las versiones del payaso “Bozo” en un programa de televisión líder de audiencia en los 80 | Tráiler: Link
Dato: A pesar de haber sido nominada en cuatro ocasiones, hasta el momento Brasil no ha conseguido el Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa: su primera nominación fue en 1963 con el film El pagador de promesas, de Anselmo Duarte. Su cuarta nominación en los Academy Awards de 1999 fue con la cinta Estación central, de Walter Salles. En el año 2008 llegó a la shortlist con el film El año que mis padres se fueron de vacaciones. Con esta Bingo: The King Of The Mornings, ópera prima de Daniel Rezende (quien trabajó en el montaje de la cinta Ciudad de Dios), Brasil busca estar entre las 5 nominadas a la edición número 90 de los premios Óscar.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 15
GLORY (Slava), de Kristina Grozeva y Petar Valchanov (Bulgaria)
Premiada en los festivales de Gijón y Edimburgo | Sinopsis: Cuando Tsanko Petrov, un trabajador del ferrocarril, se encuentra un millón de levs en las vías del tren, decide devolver la totalidad del importe a la policía. El Estado le recompensa por ello con un nuevo reloj de pulsera el cual pronto deja de funcionar. Mientras tanto, Julia Staikova, jefa de relaciones públicas en el Ministerio de Transporte, pierde su viejo reloj. Así comienza la lucha desesperada de Petrov para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad | Tráiler: Link
Dato: Bulgaria concurre a los premios Óscar desde el año 1970, Glory es su candidata número 25, nunca ha conseguido la nominación pero logró llegar a la shortlist del año 2010 con la película El mundo es grande y la felicidad está a la vuelta de la esquina, de Stephan Komandarev.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 16 
FIRST THEY KILLED MY FATHER, de Angelina Jolie (Camboya)
Proyectada en los Festivales Telluride y Toronto | Sinopsis: Adaptación de las memorias de Loung Ung, activista por los Derechos Humanos nacida en Camboya, de donde huyó en 1975, tras la Guerra Civil que llevó al poder a los Jemeres rojos comunistas. El film relata los horrores que Ung sufrió cuando era una niña bajo el mortal régimen de Pol Pot. | Tráiler: Link
Dato: Desde 1994 hasta la fecha Camboya ha presentado sólo seis películas a los premios de Hollywood: la primera cinta fue La gente del arrozal, de Rithy Panh (no obtuvo la nominación). En los Academy Awards de 2014 Camboya logró en su tercer intento su primera nominación en la categoría de Mejor película de habla no inglesa; lo consiguió con el film La imagen perdida, cinta también dirigida por Rithy Panh. First They Killed My Father, sexto intento del país del sudeste asiático por conseguir la estatuilla dorada, es una cinta original de la plataforma de streaming Netflix, pero será estrenada en los cines de Estados Unidos para poder optar al premio de la Academia.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 17
HOCHELAGA, LAND OF SOULS (Hochelaga terre des âmes), de François Girard (Canadá)
Proyectada en el Festival de Toronto | Sinopsis: Un espectacular sumidero se abre en el estadio Percival Molson en medio de un partido de fútbol. El estadio es evacuado, y unas horas más tarde, se convierte en un sitio arqueológico protegido. Siglos de historia se esconden bajo el campo. El arqueólogo Baptiste Asigny comienza a investigar, y descubrirá la cantidad de generaciones que han ocupado esta tierra, cada una con secretos enterrados | Teaser: Link
Dato: Canadá ha presentado películas a los Óscar desde el año 1971, hasta la fecha suma 7 nominaciones y un premio Óscar el cual ganó con el film Las invasiones bárbaras, de Denys Arcand en 2004. El año pasado llegó a la shortlist con Juste la fin du monde, de Xavier Dolan.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 18
UNA MUJER FANTÁSTICA, de Sebastián Lelio (Chile)
Festival de Berlín: Premio Oso de Plata al Mejor guión | Sinopsis: Marina es una joven camarera aspirante a cantante y Orlando un hombre veinte años mayor que ella, planean un futuro juntos. Una noche él enferma, Marina lo lleva a urgencias, pero Orlando muere al llegar al hospital. Ella debe entonces enfrentar las sospechas por su muerte. Su condición de mujer transexual supone para la familia de Orlando una completa aberración. Ella tendrá que luchar para convertirse en lo que es: una mujer fuerte, pasional... fantástica | Tráiler: Link
Dato: Chile concurre a los Óscar desde 1990, su única nominación hasta la fecha, la obtuvo en el año 2013 con la película No de Pablo Larraín. Una mujer fantástica es la segunda película de Sebastián Lelio que representa a Chile en los premios Óscar.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 19
WOLF WARRIOR 2 (Zhan lang II), de Jing Wu (China)
Sinopsis: Uno de los mejores soldados de las fuerzas especiales chinas decide llevar una vida tranquila, pero cuando unos mercenarios empiezan a causar revuelo, tendrá que dejar esa tranquilidad para restablecer el orden | Tráiler: Link
Dato: China ha enviado candidatas a los Academy Awards en la categoría de Mejor película de habla no inglesa desde 1979, nunca ha ganado el Óscar pero si obtuvo dos dominaciones: la primera con Ju Dou: Semilla de crisantemo (1991) y la segunda con Hero (2003), ambas películas dirigidas por Zhang Yimou. Wolf Warrior 2, ostenta el título del film más taquillero de la historia de China.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 20 
PARIENTE (Guilty Men), de Iván Gaona (Colombia)
Sinopsis: Mariana, el eterno amor de Willington, se va a casar con René, primo de Willington. Mientras Willington trata de recuperarla, el rumor de un ladrón en las veredas y una serie de muertes violentas que recuerdan viejas épocas de miedo, pondrán en peligro a la nueva familia de Mariana | Tráiler: Link  
Dato: Desde 1980 hasta la fecha Colombia ha presentado 26 films a los Academy Awards. Las películas de Ciro Guerra han representado en tres ocasiones al país sudamericano en los premios de la Academia: La sombra del caminante (2006), Los viajes del viento (2010) y El abrazo de la serpiente, por esta última Colombia obtuvo su primera nominación en los Óscar 2016.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 21
A TAXI DRIVER (Taeksi Woonjunsa), de Hun Jang (Corea del Sur)
Mejor película y actor en Buil Film Awards 2017 | Sinopsis: Basada en hechos reales. Un taxista ayuda a un reportero alemán a cubrir el Levantamiento de Gwangiu, en 1980 en Corea del Sur | Tráiler: Link  
Dato: Corea del Sur ha presentado casi una treintena de películas a los premios de la Academia pero hasta la fecha no ha conseguido la nominación. Algunas de sus representantes más destacados fueron: Oasis (ganadora del León de plata al Mejor director en el festival de Venecia 2002), Mother (Nominada a Mejor película extranjera en los Independent Spirit y Satelite Awards), Piedad (ganadora del León de Oro a la Mejor película en el festival de Venecia 2012).

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 22
EL SONIDO DE LAS COSAS, de Ariel Escalante (Costa Rica
Proyectada en el Festival de cine de Moscú | Sinopsis: A Claudia le emociona ser enfermera. Manejar la adrenalina, controlar las emociones, salvar vidas. En casa todo es distinto: hay una habitación que vaciar, hay que encontrar un nuevo compañero de piso. Claudia no puede lidiar con el reciente suicidio de su prima. Tráiler: Link  
Dato: En el 2005 Costa Rica envió por primera vez representante a los premios Óscar, hasta la fecha no ha conseguido la nominación.

Todas las candidatas a MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA de los Óscar 2018:
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domingo, 15 de octubre de 2017

CRÍTICA | EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ, de Lynne Ramsay


La noche de la bestia
EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ
Festival de Cannes: mejor actor y guión. Festival de San Sebastián: sección Perlas
Reino Unido, 2017. Dirección: Lynne Ramsay Guión: Lynne Ramsay, a partir de la novela de Jonathan Ames Fotografía: Tomas Townend Música: Jonny Greenwood Reparto: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando, Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde, Leigh Dunham, Vinicius Damasceno Género: Thriller. Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 24/11/2017


¿De qué va?: Joe vuelve a casa tras una misión. Un día recibe una llamada y acepta un nuevo trabajo. Debe rescatar la hija secuestrada de un senador de los Estados Unidos. 


En realidad, nunca estuviste aquí es un ejercicio de cine físico. Ramsay parte de la figura del antihéroe para sumir al espectador en una atmósfera turbia, liberada de dobles lecturas. Importa únicamente el cine en su versión más primitiva. Producir sensaciones, aunque una de ellas pueda ser el rechazo más absoluto. La cineasta construye un entorno nocturno, con música electrónica amenazante y una puesta en escena estilizada que juega a mostrar la violencia en toda su explicitud o bien a dejarla fuera de plano, creando en todas sus arbitrariedades un constante desasosiego. Ese vaivén también describe el devenir errático de su protagonista, un Joaquin Phoenix taciturno, sicario traumado, todo corporeidad. Por el camino, los sonidos de fondo se funden con los ruidos urbanos, el neón colisiona con la luz solar, los planos fijos se combinan con largos travellings, las filmaciones en blanco y negro de cámaras de vigilancia se yuxtaponen con escenas sin artificios, lo real convive con lo onírico, y su nómina de primeros planos va construyendo una poesía feísta muy personal a base de mamporrazos, gotas que caen al ralentí y sombras reflejadas en espejos. Imposible no evocar a Scorsese y a Winding Refn, el sustrato del cine negro, incluso otros títulos que discurren en los márgenes como el Ghost Dog de Jarmusch. También darse cuenta que Ramsay, para bien o para mal, no se parece a nadie. Un ejercicio de estilo, formalista y por lo tanto cuestionable, que tras toda su pirotecnia esconde una historia fatalista, de resignación ante una existencia adversa, de dejarse llevar, de morir. De existir, como predica su título, estando en verdad ausente. Un film-experiencia con un personaje-símbolo que, con el permiso de la ira de unos y el entusiasmo de otros, puede convertirse en uno de los hitos cinéticos y cinematográficos de la modernidad.


Para amantes de las películas que crean los efectos de una droga potentísima.
Lo mejor: La brutalidad de Phoenix.
Lo peor: El incomprensible premio al mejor guión que recibió en Cannes.


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sábado, 14 de octubre de 2017

CRÍTICA | THE DISASTER ARTIST, de James Franco


Magistralmente malo
THE DISASTER ARTIST
Festival de San Sebastián: Concha de oro. Festival de Sitges: Sesión sorpresa
EE. UU., 2017. Dirección: James Franco Guión: Scott Neustadter y Michael H. Weber, a partir del libro homónimo de Greg Sestero Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Ari Grayner, Hannibal Buress, Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael Género: Comedia. Cine dentro del cine. Biopic Duración: 95 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/01/2018
¿De qué va?: Tommy Wiseau y Greg Sestero se conocen en una escuela de interpretación. Hartos de recibir la negativa de sus profesores, deciden irse a Los Ángeles para encontrar suerte en la meca del cine. Una vez allí se les vuelven a cerrar todas las puertas, pero Tommy encuentra un plan B: él mismo dirigirá, producirá, escribirá y protagonizará su propia película junto a su amigo. Todo, ¿con qué talento? Y... ¿con qué dinero?


Franco (James, ¿cuál si no?) conoce muy bien Hollywood. Ha sido su chico guapo y su bicho raro, presentador de los Óscar y nominado en una misma noche. Capaz de todo, incluso de dirigir. Sabíamos de su sentido del humor, intuíamos su talento, pero nada nos podía preparar para esta The Disaster Artist, su broma definitiva. Franco cuenta qué sucedió durante el rodaje de The Room, una de las películas más desastrosas de todos los tiempos, convertida por una minoría selecta en objeto de culto y cachondeo. Pero, sobre todo, lo que importa es explorar la psique de Tommy Wiseau, la mente extravagante que dio forma a ese engendro audiovisual y que ahora, con el gesto impostado y tronchante de Franco, promete ser más célebre si cabe. The Disaster Artist funciona por dos motivos: en primera instancia, es una (auto)parodia de la industria, con los cameos, la ración de gags y las salidas de tono habituales para meterse al público en el bolsillo; y en segundo lugar, porque también reflexiona sobre eso tan volátil llamado éxito y las artimañas que unos y otros activan para conseguirlo, y lo hace siguiendo el orden cronológico de todo proyecto, desde la escritura del guión a la première final en salas. Franco se ríe de Wiseau, pero en el fondo le rinde tributo. Con gracia y respeto. Un sentido reverencial y desenfadado que convierte este artista desastroso en una de las sorpresas más agradables de la temporada, se sea o no conocedor del despropósito ya legendario que fue The Room. Es imposible que nadie que sienta una mínima atracción por el séptimo arte, sus secretos y sus frivolidades no se lo pase en grande con este ejercicio amargo y festivo de cine dentro del cine. Una Concha de oro de apariencia extravagante, pero sumamente acertada.


Para cinéfilos (en el sentido más amplio del término).
Lo mejor: En rodaje en la falsa azotea y la comparación de escenas antes de los títulos de crédito.
Lo peor: Tras verla dan ganas de visionar The Room... y el film de Wiseau es un auténtico dolor de ojos.


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viernes, 13 de octubre de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 3X03 - CINE ESPAÑOL '17: Abracadabra, Verónica, Tadeo Jones 2, Converso, DVD y series catalanas


Programa nº 60 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 6º audio mensual dedicado al cine español. Reseñamos los estrenos Abracadabra, Verónica, Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas, La niebla y la doncella y Converso; hablamos de los lanzamientos en dvd Órbita 9, Casi leyendas y Cantábrico; y analizamos las segundas temporadas de Nit i dia, Cites y El crac.




Guía del programa
1' Presentación - 3' Abracadabra - 8' Verónica - 14' Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas - 18' La niebla y la doncella - 22' Converso - 27' Órbita 9 - 31' Cantábrico - 35' Casi leyendas - 39' Nit i dia - 45' Cites - 50' El crac - 55' Despedida y canción: "Yo, también", de La casa azul. 

Estrenos del mes


Cine español


Especiales CINE DE LOS 90:
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miércoles, 11 de octubre de 2017

OSCARS 2018 | MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA (I)


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 01
A LETTER TO THE PRESIDENT (Namai ba rahis gomhor), de Roya Sadat (Afganistán) 
Proyectada en el Festival de Locarno Sinopsis: Una mirada a la dura realidad que enfrentan las mujeres en el Afganistán de hoy, la película sigue a Soraya, una humilde funcionaria pública que ha luchado por mantener la ley en Afganistán. Cuando Soraya decide salvar a una mujer de las antiguas reglas tribales que la condenan a un brutal castigo, ella es arrestada y una carta al presidente es su única esperanza de justicia | Tráiler: Link
Dato: Afganistán concurre a los Óscar desde el año 2001, después de la caída del anterior gobierno talibán del país. Hasta la fecha ha presentado 12 películas pero nunca ha conseguido la nominación. Su candidata más destacada fue Osama cinta que a pesar de no obtener la nominación a los Óscar de 2004, ganó el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa, imponiéndose a títulos como El regreso, de Andrei Zvyagintsev y Las invasiones bárbaras, de Denys Arcand (la cual ganó el Óscar a Mejor película de habla no inglesa ese mismo año).

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 02
DAYBREAK (Dita zë fill), de Gentian Koçi (Albania)
Proyectada en el Festival de Sarajevo | Sinopsis: Drama social que narra la historia de Leta, una joven madre y su hijo de 1 año de edad quienes son expulsados de su casa por no pagar el alquiler, tras dicha situación la mujer encuentra alojamiento con Sophie, una anciana muy enferma, cuya hija da empleo a Leta como cuidadora. Para poder seguir con casa y trabajo, Leta deberá mantener con vida a Sophie a toda costa | Tráiler: Link
Dato: Desde 1996 hasta la actualidad, Albania ha presentado 11 películas como candidatas los premios Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa, hasta el momento no ha conseguido ninguna nominación.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 03
IN THE FADE (Aus dem Nichtsaka), de Fatih Akin (Alemania)
Premio a la mejor actriz del Festival de Cannes | Sinopsis: El film sigue a Katja, que teje una venganza tras la muerte de su esposo y su hijo en un atentado terrorista. | Tráiler: Link | 
Dato: Desde la caída del muro de Berlín, la Alemania "reagrupada" manda puntualmente su propuesta al Óscar. Es uno de los países de la vieja Europa con mejor estadística de lo que va de siglo con 2 victorias, 5 nominaciones y 3 presencias en la shortlist de enero. Alemania casi siempre concurre con películas sobre la 2ª Guerra Mundial, una tónica que rompió Toni Erdmann el año pasado. Es la segunda vez que el país concurre con un film de Akin.


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 04
ROAD TO ISTANBUL (La Route d'Istanbul), de Rachid Bouchareb (Argelia)
Proyectada en el Festival de Berlín 2016 Sinopsis: Cuando Elodie, de 19 años, deja Bélgica para unirse al yihadismo, la vida de su madre, Elisabeth, se derrumba por completo. Elisabeth no puede entender que su hija haya tomado esa decisión, así que decide  viajar hasta Siria para encontrarse con ella y convencerla de que regrese a Bélgica | Tráiler: Link 
Dato: Argelia concurre a los Academy Awards desde el año 1969, hasta la fecha suma 5 nominaciones y un premio Óscar el cual ganó con la película Z, de Costa-Gavras en los Óscar de 1970. Road to Istanbul es la sexta película de Rachid Bouchareb que representa a Argelia en los premios de Hollywood. Anteriormente tres películas de Bouchareb consiguieron la nominación: Poussières de vie (1996), Días de Gloria (2007) y Fuera de la ley (2011).

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 05
ZAMA, de Lucrecia Martel (Argentina)
Proyectada en los festivales de Venecia y Toronto 2017 | Sinopsis: Basada en la novela homónima de Antonio Di Benedetto. El film narra la historia de Diego de Zama, un oficial español del siglo XVII asentado en Asunción que espera su transferencia a Buenos Aires. Es un hombre que espera ser reconocido por sus méritos, pero en los años de espera pierde todo, es entonces cuando Zama decide sumarse a un grupo de soldados y partir a tierras lejanas en busca de un peligroso bandido | Tráiler: Link
Dato: Hasta el momento Argentina ha ganado dos premios Óscar en la categoría de Mejor película de habla no inglesa: el primero fue en el año 1986 con La historia oficial, de Luis Puenzo, la segunda estatuilla la consiguió en el año 2010 con la película El secreto de sus ojos, de Juan José Campanella.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 06
YEVA, de Anahit Abad (Armenia)
Sinopsis: Yeva es una joven que después de la trágica muerte de su marido se escapa de sus influyentes suegros con su hija Nareh, y se refugia en una de las aldeas de Karabakh, Armenia. Sin embargo, su pasado no la dejará en paz.
Dato: Armenia ha presentado películas a los premios de la Academia desde el año 2001, aunque de manera muy irregular. Hasta la fecha, Armenia no ha conseguido la nominación al Óscar.



FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 07 
THE SPACE BETWEEN, de Ruth Borgobello (Australia
Sinopsis: Marco es un ex-chef de 35 años que ha renunciado a su carrera para regresar a Udine en el norte de Italia para cuidar a su padre enfermo. Cuando la tragedia golpea, el único rayo de alegría llega en forma de Olivia, una australiana alegre persiguiendo su sueño de trabajar en el diseño. Estas dos personas muy diferentes se encuentran en una encrucijada que cambiará sus vidas para siempre | Tráiler: Link 
Dato: Australia concurre a los premios Óscar desde 1996. El año pasado con la película Tanna, de Martin Butler y Bentley Dean consiguió su primera nominación en la categoría de Mejor película de habla no inglesa.



FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 08 
HAPPY END, de Michael Haneke (Austria)
Sección oficial del Festival de Cannes | Sinopsis: Cuenta el devenir de una familia burguesa que entra en contacto con una comunidad de refugiados | Clip: Link | Reseña: Link
Dato: Como miembro de la vieja Europa, Austria es uno de los países habituales en la carrera al Óscar, si bien su trayectoria está repleta de "no nominaciones". La tónica se ha revertido recientemente con las victorias de Los falsificadores y Amour. En el año 2005, Caché fue descalificada, ya que la mayor parte de su producción era francesa (detalle, por cierto, que podría repertirse con esta Happy End). Sin contar ese suceso, estamos ante la 5ª participación de Haneke como opción austriaca al Óscar, a las que debemos sumar su candidatura de La cinta blanca por Alemania.

FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 09
POMEGRANATE ORCHARD (Nar bagi), de Ilgar Najaf (Azerbaiján)
Seleccionada en el Festival de Karlovy Vary | Sinopsis: Tras 12 años de ausencia, narra el regreso de un hijo pródigo a su casa familiar, situada en una zona azerí rural | Tráiler: Link | 
Dato: Con una cinematografía reducida y todavía joven, Azerbaiján llega con ésta a su séptima participación en los Óscar desde que los AMPAS invitaran el país allá por 2007. Es la segunda vez que la pequeña región caucásica concurre con un film de Ilgar Najaf. ¿Conseguirán su primera nominación este 2018?


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 10
THE CAGE (Khacha), de Akram Khan (Bangladesh)
Sinopsis: Basada en una historia corta del mismo nombre escrita por Hasan Azizul Haque, la película narra la difícil situación de una familia hindú tratando de emigrar a la India desde Pakistán Oriental durante la partición de la India en el año 1947 | Tráiler: Link 
Dato: Bangladesh ha presentado películas a los Óscars desde el año 2002, hasta ahora nunca ha conseguido la nominación. Su representante más destacada fue El pájaro de arcilla, de Tareque Masud, la cual ganó el premio FIPRESCI de la sección Director's Fortnight del Festival de Cannes 2002.


FOREIGN LANGUAGE FILM Nº 11 
RACER AND THE JAILBIRD (Le fidèle), de Michaël R. Roskam (Bélgica)
Festival de Venecia: sección oficial fuera de concurso | Sinopsis: Narra la trágica historia de amor entre Gigi, un gángster de altos vuelos, y Bibi, una joven piloto de carreras de clase alta. | Tráiler: Link | 
Dato: Bélgica presenta film al Óscar desde la década de los 60, pero no fue hasta los 90 cuando se consolidó su incursión anual en los premios de Hollywood. Con 7 nominaciones y ninguna victoria, su aspirante más famosa fue Farinelli y la más reciente fue Alabama Monroe. La Academia nunca nominó una película de los Hermanos Dardenne, pese a representar a Bélgica en 4 ocasiones (con Dos días, una noche, con nominación para Marion Cotillard). De figurar entre las elegidas, Le fidèle sería la segunda nominación consecutiva para Roskam tras Bullhead.

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martes, 10 de octubre de 2017

CRÍTICA | 120 PULSACIONES POR MINUTO, de Robin Campillo


Los años negros del SIDA
120 PULSACIONES POR MINUTO (120 BPM)
Festival de Cannes: Premio especial del jurado. Festival de San Sebastián: Perlas
Francia, 2017. Dirección y guión: Robin Campillo Fotografía: Jeanne Lapoirie Reparto: Adèle Haenel, Yves Heck, Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois, Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz, François Rabette Género: Drama Duración: 140 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 01/12/2017


¿De qué va?: En el París de principios de los 90, un grupo de activistas quiere concienciar a la población sobre el SIDA. Sus quejas se centran sobre todo en los políticos y las farmacéuticas que acallan la expansión del virus. En una de las reuniones del colectivo, Nathan conoce a Sean, uno de los afiliados más radicales.


120 pulsaciones por minuto es cine histórico. Sí, nos remite a los 90 del SIDA. Anteayer. Pero la comunidad LGTBI de nuestros días, aunque nos pese, ha olvidado con escandalosa facilidad la lucha de aquellos que consagraron su vida, o que literalmente la perdieron, a la visibilización de una de las enfermedades más terribles de los últimos años. Campillo, consciente de ello, construye su película a la contra del "subgénero queer". Hay romance y orgullo gay, pero sus fotogramas se centran sobre todo en las asambleas de Act Up. Al final, podríamos estar hablando de reivindicaciones laborales o de defender la consigna que se quiera, sexo y sexualidades aparte. La película seguiría funcionando. Y por todo lo dicho, Campillo se centra tanto en la lucha de sus personajes que, cuando éstos se encuentran en la soledad de sus cuartos y no enarbolan ninguna bandera, la ficción pierde toda su consistencia. Paradójicamente, un título que apela a los latidos del corazón, y por lo tanto a la vida, carece de la energía que muchos le otorgaron tras su pase cannois. 120 pulsaciones por minuto tiene nuestro respeto y cuenta con innumerables aciertos (el más destacado tiene nombre propio: Nahuel Pérez Biscayart), pero no llega a poner los pelos de punta, no pellizca, no termina de removernos por dentro, intelectiva o emocionalmente. No deja impávido, y aún así resulta un poco fría. Hasta el punto que, cuando la muerte se ha apoderado de la trama y los supervivientes inician otra asamblea en pleno velatorio, el guiño cómplice, que podía intuirse sobre el papel como un amargo de contrapunto cómico, no funciona. Hasta resulta ridículo, desatinado. De mal gusto. Eso, o quien escribe no supo apreciar la sensibilidad de un Campillo que sí capturó todas las contrariedades sociales y sexuales en Chicos del Este. En resumen, me cuesta ponerle reparos y a la vez defender estas 120 pulsaciones por minuto, más intensas cuando filman la esfera pública de su conflicto y prescinden de la privada. Por desgracia, el cine no sólo se debe a la urgencia de una temática. Un film tan pertinente como incompleto.


Para recordar la sombra del SIDA (todavía presente).
Lo mejor: Pérez Biscayart.
Lo peor: Le sobra asamblea y le falta intrahistoria.


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lunes, 9 de octubre de 2017

CRÍTICA | THE FLORIDA PROJECT, de Sean Baker


Érase una vez, al lado de Disney World
THE FLORIDA PROJECT
Festival de Cannes: Quincena de realizadores. Festival de San Sebastián: Perlas
EE. UU., 2017. Dirección: Sean Baker Guión: Sean Baker y Chris Bergoch Fotografía: Alexis Zabe Reparto: Willem Dafoe, Caleb Landry Jones, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O'Quinn, Brooklynn Prince, Giovanni Rodriguez, Bria Vinaite, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Valeria Cotto, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross Género: Tragicomedia social Tráiler: Link Duración: 110 min. Fecha de estreno en España: 09/02/2018


¿De qué va?: Una niña de 6 años y sus amigos pasan el verano en un motel cerca de Disney World. Mientras los pequeños juegan, la madre malvive de lo que gana vendiendo colonias robadas y prostituyéndose.


Sean Baker, fenómeno indie gracias a Starlet y Tangerine, firma en The Florida Project su consagración como una de las voces más atrevidas del cine estadounidense. Baker sitúa la acción de su película más redonda en las inmediaciones de Disney World, un espacio marginal con tintes de irrealidad. En ese entorno, que para unos funciona como lugar de paso y para otros de purgatorio extravagante, un grupo de niños hacen y deshacen a su antojo, con una espontaneidad y una ingenuidad que Baker filma con una verdad inconmesurable, rayando incluso el estilo documental. The Florida Project es, por lo tanto, el retrato de unos pillos, una sucesión de travesuras, juegos, idas y venidas entre luces de neón, piscinas vacías, descampados, fuegos artificiales y edificios teñidos de amarillo y púrpura. También, en su resolución, un descenso a los infiernos que su director, cómplice de la desdicha de sus personajes, mitiga con un plano final precioso, un ejercicio escapista que reivindica la fantasía aun cuando apremia la realidad más desfavorable. The Florida Project consigue dibujarnos una amplia sonrisa sin obviar las aristas más tristes de su historia, con un dominio de la luz, los tonos pastel y la dirección de actores al alcance de pocos superdotados. Con momentos, además, que se quedan grabados en la memoria del espectador: destacamos el concurso de eructos, la discusión que termina con una compresa pegada en el cristal o el helado que los niños chupetean y comparten entre tres. En resumen, una película energética y elegíaca que, irremediablemente, se gana el afecto de todos, como esas personas que afrontan sus problemas con una sonrisa de boca a oreja, o como ese árbol caído que sigue creciendo y que, a la postre, se convierte en el símbolo de toda la ficción, incluso de los Estados Unidos artificiales y airados que preside el señor Trump, hermanados con los que veíamos en la American Honey de Andrea Arnold.


Para seguir indagando en la cara oculta del American Dream.
Lo mejor: Bria Vinaite y Brooklynn Prince, madre e hija, ambas sublimes.
Lo peor: Puede cuestionarse su abuso de "escenas con niño".


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domingo, 8 de octubre de 2017

CRÍTICA | EL SECRETO DE MARROWBONE, de Sergio G. Sánchez


La monotonía del miedo
EL SECRETO DE MARROWBONE
Festival de San Sebastián: Sección oficial fuera de concurso
España, 2017. Dirección y guión: Sergio G. Sánchez  Música: Fernando Velázquez Fotografía: Xavi Giménez Reparto: Anya Taylor-Joy, George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Matthew Stagg, Kyle Soller Género: Thriller psicológico. Terror Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 27/10/2017
¿De qué va?: Tras la muerte de su madre, cuatro hermanos permanecen en la granja familiar, aislados de la civilización. Pronto descubrirán que tras las paredes de la casa se esconde un terrible secreto.


Confesémoslo: en España sabemos hacer cine de terror. No es cuestión de chovismo, pero hay que reconocer lo evidente. La tradición fantástica, además, viene de largo. Y, en consonancia con esa habilidad, es coherente que nuestras películas intenten acceder a los mercados internacionales, incluso ceder a parte de los imperativos de la industria para poder llegar al mayor número de públicos y pantallas posibles. Ya nos hemos acostumbrado a que películas locales estén habladas en inglés, con repartos formados por estrellas extranjeras y con códigos visuales propios del cine norteamericano. Lo que cabe preguntarse es si en ese ascenso de las llamadas superproducciones españolas no hemos perdido parte de nuestra esencia. La duda surge con más fuerza tras visionar El secreto de Marrowbone, una película caligráficamente perfecta, pero carente de inventiva, concebida y distribuida al calor de una moda que corre el riesgo de devenir pasajera. Aunque Sergio G. Sánchez haya demostrado en el pasado su pericia a la hora de trazar universos turbios, ese talento brilla por su ausencia en una ópera prima que sólo se alimenta de clichés, ruidos ensordecedores y un guión que lleva sus imposibles hasta el extremo, con una resolución que a muchos, más que pavor, nos causa auténtica risa. Hay talento, pero sobre todo apatía. Y al final, y lo que sigue no tiene ni un ápice de malicia, la intuición es que estamos ante un título que busca únicamente hacer mella en cartelera. El cine reducido a "ese thriller revientataquillas" que exige la cinematografía local y sus agentes. En esta ocasión, como defendimos muchos de manera muy vehemente en el Festival de San Sebastián, ni la magia de Mediaset podrá llenar tanto vacío. Nótese, además, que en estas líneas no se desvela el secreto de este Marrowbone, pero creednos: el descubrimiento del misterio es la mar de decepcionante. Que cada uno decida si quiere pasar por caja y ser víctima de esta mezcla desatinada de Los otros, El orfanato y similares.


Para asustadizos que quieren estar al día de esa película de la que habla todo el mundo.
Lo mejor: Cuenta con un diseño de producción muy digno.
Lo peor: Que ese envoltorio técnico no esté sustentado por un guión a la altura.

Más información sobre EL SECRETO DE MARROWBONE en PODCAST: Festival de San Sebastián, Día 5


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EL PODCAST DE C&R - El CINE ESPAÑOL del FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2017