viernes, 21 de julio de 2017

CRÍTICA | ¿A QUIÉN AMA GILBERT GRAPE?, de Lasse Hallström



¿A QUIÉN AMA GILBERT GRAPE?
Nominación al Óscar, Globo de oro y National Board of Review al mejor actor secundario
EE. UU., 1993. Dirección: Lasse Hallström Guión: Peter Hedges, a partir de su novela homónima Reparto: Johnny Depp, Juliette Lewis, Leonardo DiCaprio, Mary Steenburgen, Darlene Cates, John C. Reilly, Laura Harrington, Crispin Glover, Kevin Tighe, Mary Kate Schellhardt Fecha de estreno en España: 20/05/1994 Tráiler: Link


Crítica José: La historia nos traslada a Endora, un pequeño pueblo del Medio Oeste Americano, en donde vive Gilbert Grape. Él es un joven empleado de una tienda y la cabeza de su familia. Vive con su madre que padece obesidad mórbida, adquirida después de la muerte de su esposo, su hermano Arnie, que sufre retraso mental, y dos hermanas. Adaptación de la novela de Peter Hedges dirigida por Lasse Hallström. Una historia sencilla pero cautivadora que retrata la vida de una familia rural. Mirar a un Leonardo DiCaprio muy joven es algo que merece la pena: crea un personaje perfecto con un leve retraso mental. Por fin veo a un Johnny Depp sin maquillaje que da una actuación conmovedora y con matices. Me pongo de pie para aplaudir a estas grandes actuaciones: en mi opinión, a Leonardo DiCaprio le debieron dar su primer Oscar por esta película, y a Johnny Depp, posiblemente la nominación, nada más. Aplaudo su coraje y valentía. Nota: 8 / 10


Crítica Mayra: ¿A quién ama Gilbert Grape? es un drama rural que relata las vivencias de Gilbert y su singular familia, vidas que transcurren entre los incidentes que ocasiona Arnie (el menor de los hermanos, que padece de discapacidad mental), y la monotonía de un pueblo alejado de todo. Estamos ante la tragicómica historia de una familia que resulta ser una gran carga que sobrellevar para su exhausto protagonista, un personaje que a pesar de los pesares sólo quiere lo mejor para los suyos. Lasse Hallström plasma en fotogramas una historia triste que al mismo tiempo irradia un encanto único que logra cautivar al espectador y despertar una ristra de sentimientos a lo largo del visionado. La cinta cuenta con un correcto reparto en el que sin duda Johnny Deep (se agradece verlo lejos de la sobreactuación) y Leonardo DiCaprio logran sobresalir. Una recomendable obra de los años noventa. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Hace bastante tiempo que vi esta película como buen fan de Leo que soy, atraído principalmente por la primera nominación al Óscar de su joven estrella. Recuerdo con gran agrado su interpretación de discapacitado mental y el papel de Darlene Cates como la madre con obesidad mórbida. Ahora que vuelvo a verla para este festival, retomo un tremendo dramón, en el que convergen diversos sentimientos negativos para relatarnos una historia tan real como la vida misma. Johnny Depp entrega un trabajo memorable, y es curioso verlo en un buen papel sin necesidad de adornos, ahora que estamos tan acostumbrados a verlo en papeles tan excéntricos y extravagantes. Lasse Hallström dirige esta adaptación que el propio autor de la novela original escribió para el cine. El director toma una historia aparentemente sencilla y la vuelve tan complicada y agotadora como un viaje interminable, de esos que duran horas pero que van cargados de destellos y momentos que se vuelven entrañables. Nota: 6


Crítica Xavier: ¡Qué tiempos, los 90! En el año 1993, Johnny Depp todavía era un actor alternativo que no acababa de encajar con los requisitos de la industria. Leonardo DiCaprio presumía de ser un desconocido con mucho futuro. Nadie vinculaba a Juliette Lewis con el rock. Todos los cinéfilos sabían de Mary Steenburgen y apenas reconocían a John C. Reilly. Crispin Glover no daba grima. Y hasta un lugar tan insulso como Endora, especie de actualización de la Norteamérica profunda "a lo The Last Picture Show", pasaba por un lugar con encanto. Sí, ¡qué tiempos! Y evoquémoslos con nostalgia porque ¿A quién ama Gilbert Grape? es, para bien y para mal, una película de su tiempo. Si se quiere, uno de esos títulos que fundó el "indie estadounidense" a base de buenos sentimientos, éxito de taquilla y nominaciones al Óscar. Pero ahora, la ficción de Hallström tiene grietas, como la case de la prole Grape. No por problemas estructurales ni debido a madres con sobrepeso, sino por la lógica erosión que produce el discurrir de las décadas. Sea como sea, queda una película meritoria. El reflejo de ese Hollywood que tomaba a un director extranjero para facturar productos blancos para todos los públicos. Porque Endora no existe. Porque tal vez los 90 nunca fueron tan bonitos. Nota: 6

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jueves, 20 de julio de 2017

CRÍTICA | MOVIDA DEL 76 (DAZED AND CONFUSED), de Richard Linklater


MOVIDA DEL 76 (DAZED AND CONFUSED)
Sección oficial del Festival de Locarno
EE. UU., 1993. Dirección y guión: Richard Linklater Reparto: Jason London, Joey Lauren Adams, Milla Jovovich, Shawn Andrews, Rory Cochrane, Adam Goldberg, Anthony Rapp, Sasha Jenson, Michelle Burke, Cole Hauser, Ben Affleck, Parker Posey, Nicky Katt, Marissa Ribisi, Matthew McConaughey, Renée Zellweger, Wiley Wiggins Fecha de estreno en España: Inédita (distribuida de forma muy reducida en cines, editada en dvd en 2003) Tráiler: Link


Crítica José: Richard Linklater nos traslada a los años 70 en esta película entretenida, sencilla, cercana y muy amena, sin grandes pretensiones y capaz de conseguir más de lo que pretende. Esta es algo más que una típica película de adolescentes, más creíble y real que otros títulos, con personajes menos estereotipados que de costumbre. Un gran acierto es cómo consigue que todo el mundo pueda verse reflejado en al menos uno de los personajes y como muestra, a pesar de las modas y tendencias, la permanencia de los roles con el paso de los años: nada es distinto en el fondo, y sólo cambia la fachada. No deja de ser curioso como, mientras te sorprendes de sus vestimentas, en el fondo no puedes evitar asociar cada personaje a alguien conocido o incluso a uno mismo. Recomendable pese a que la trama no es nada novedosa ni original. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: En Movida del 76, Linklater intenta retratar la adolescencia y juventud norteamericana y todos los absurdos ritos y costumbres de un instituto en los años 70. Creo que ya lo había dicho antes: las películas o series que transcurren en institutos (especialmente norteamericanos) llaman poco o nada mi atención, básicamente porque las historias que cuentan suelen ser (casi siempre) vacuas. Movida del 76 sin duda es un gran ejemplo de la vacuidad a la que me refiero: el metraje transcurre entre tontas novatadas y adolescentes de espíritu fiestero que buscan “disfrutar su juventud” llenándose de alcohol y drogas. La historia carece de un arco dramático con suficiente interés, y tampoco llega a resultar convincente en su tono cómico, ya que es una concatenación de momentos poco o nada interesantes con personajes igual de superficiales. Desde mi perspectiva, una película totalmente prescindible. Nota: 4 / 10


Crítica Ronnie: Un recorrido por el humor gratuito y simplón, las chicas hot, los bullies, los personajes con falta de carisma, los novatos de inicio de curso, alcohol, drogas y mucha estupidez humana. El resultado general logrado por Linklater resulta ser una cinta pretenciosa con movimiento de traseros gratuito, estupefacientes y altas dosis de inmoralidad. Definitivamente no es El club de los cinco, de hecho está mas cerca de Porky's y American Pie que de lo que realmente me gusta ver. Es probable que a los adeptos de la época les interese ver una recreación teen de lo sucedido en los 70. En mi caso, no me ha parecido gran cosa. El mundo puede seguir su día y su noche sin necesidad de esta película. Nota: 2 / 10


Crítica Xavier: Mantengo una relación bastante conflictiva con Richard Linklater. No seré yo quien ponga en duda su valía como director, tampoco su estilo tan ecléctico como en el fondo coherente y reconocible, pero en gran parte de sus películas tengo la sensación de que lo que se cuenta está a años luz de mis intereses como persona y como cinéfilo. Mantengo posturas bastante escépticas con sus películas de corte animado o documental. Disfruto sólo en parte con la trilogía "Antes del". Y el problema se amplía con sus obras de corte adolescente-musical. Movida del 76, qué le vamos a hacer, es la película más representativa de este último apartado, tanto que el propio Linklater la amplió en una secuela "sui generis" harto innecesaria como Todos queremos algo. Así que donde unos ven el espíritu de una generación o la sublimación de las pulsiones adolescentes, este cinéfilo sólo capta escenas de vandalismo, propaganda pro-cannabis, exaltación del sexo (sospechosamente heterosexual e imberbe), una recreación de época postiza (carece de la profundidad de, por ejemplo, The Last Picture Show) y altas ingestas de cerveza (para un casi abstemio como servidor, poco más que una bebida de meado de gato con espuma). Todo lo dicho, aderezado con frases "trascendentes" que quieren elevar "la juerga" a retrato social con enjundia (sin éxito). Lo siento profundamente por Linklater, por su reparto (Jovovich, Affleck y McConaughey interpretan mejor y están muchísimo más "macizos" en la actualidad) y por todos aquellos que sí conecten con esta arcadia teen con jukebox setentera. No tengan en cuenta la opinión de alguien que considera Bernie la mejor película del señor Linklater. Castigado contra la pared y sin salir de farra durante un par de semanas. Nota: 5 / 10

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miércoles, 19 de julio de 2017

CRÍTICA | LA FLOR DE MI SECRETO, de Pedro Almodóvar



LA FLOR DE MI SECRETO
7 nominaciones al Goya. Sant Jordi, ACE, Fotogramas y premio en Karlovy Vary a la mejor actriz
España, 1995. Dirección y guión: Pedro Almodóvar Reparto: Marisa Paredes, Imanol Arias, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Mánver, Manuela Vargas, Gloria Muñoz, Juan José Otegui, Jordi Mollà, Nancho Novo, Alicia Agut, Joaquín Cortés Fecha de estreno en España: 22/09/1995 Tráiler: Link


Crítica José: Guion escrito por Pedro Almodóvar (como es habitual), que se inspira en el relato breve The Lovely Leave (1943) de Dorothy Parker. La historia tiene lugar en Madrid, durante la primavera de 1995. Leocadia “Leo” Macías es una escritora de novelas de rosa de éxito que se oculta tras el seudónimo de Amanda Gris. Después de un período de crisis matrimonial, su marido la abandona y a ella se le va el mundo para abajo. Paco es militar de carrera y trabaja en Split al servicio de la OTAN; Betty, psicóloga de renombre, es la mejor amiga de Leo y le ayuda a encontrar trabajo. Le manda a visitar a Ángel, un periodista sensible, jefe de la sección de cultura en un diario madrileño. Leo visita con frecuencia a su hermana Rosa, que vive en Parla junto a su madre. Una narrativa que se desarrolla de manera lineal y directa. Almodóvar construye una figura que define con trazos seguros y una amplia riqueza de detalles. En torno a ella desarrolla la historia, que en esta ocasión se presenta menos dispersa que en otros trabajos. El relato se enmarca en un contexto más grato respecto al agudo pesimismo de buena parte de sus películas. Una obras de sentimientos más que de acción, con la esencia del dolor, la melancolía, la desesperación y la locura perfectamente capturadas. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: La flor de mi secreto nos cuenta la historia de una escritora de novelas rosa que a pesar de tener éxito quiere renovar su estilo, un cambio que le causará problemas laborales y conflictos matrimoniales. Una historia de desamor y de descontento personal y profesional que tal vez resulta sencilla, pero sin duda tiene personajes lo suficientemente interesantes como para captar la atención del espectador; además, el metraje tiene un desarrollo con mucho ritmo que nos permite disfrutar de las grandes interpretaciones de todo el reparto: Marisa Paredes e Imanol Arias aportan el dramatismo e intensidad necesaria a lo largo del metraje, el personaje de Ángel que interpreta Juan Echanove añade cierto atisbo de romanticismo, y sobre todo ante la presencia de Lampreave y De Palma emerge una comicidad desbordante donde se evidencia el estilo almodovariano que mezcla el drama y la comedia creando una fusión singular. No es la película más redonda de Almodóvar (tampoco es mi favorita del director) pero sin duda es una obra muy bien realizada. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Almodóvar me tiene ganado desde hace muchos años, cuando empecé a descubrir su cinematografía. Constantemente le encuentro más rápido los aciertos que los defectos a sus obras. Como cualquier autor de magnitud, me gusta la dirección de Almodóvar en todas su películas. Aquí es palpable una grandiosa gama de sentimientos que esconde un mensaje difícil de vislumbrar en tan solo un visionado. El guión escrito por el mismo director es una exquisitez y le da la oportunidad a Marisa Paredes de entregar una de las mejores interpretaciones de su carrera (si no la mejor). Paredes acentúa una magistral actuación con un perfecto dominio de la escena: ella es la película y el secreto mismo de Almodóvar. Soñadora, enamorada, sola, sin rumbo, pero sobre todo intensa: me atrevo a decir que es la mejor musa de Almodóvar de entre todas sus chicas. Rossy de Palma y Chus Lampreave se anotan inmensos momentos de comicidad que aligeran el tono dramático de toda la cinta. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Las películas de Almodóvar están vivas. Se retroalimentan y son (auto)referenciales. Cuentan con un universo propio e intransferible. Y puestos a establecer divisiones en su filmografía, no costaría determinar La flor de mi secreto como una de sus composiciones más personales, incluso aquella en la que se insertan en mayor medida elementos de sus obras más íntimas: no por casualidad, en la cinta que nos ocupa se conjugan elementos de Qué he hecho yo para merecer esto (el contrapunto cómico del pueblo, entendido como lugar de peregrinación y estado de ánimo, con su particular estética y ética), Volver (una de las historias que mecanografía Amanda Gris copia el devenir de Raimunda) y Julieta (con la que comparte un personaje sumido en el vacío, marcado por la ausencia de un ser querido... y con un personaje masculino que, a la postre, las salva de su infierno privado). De todo lo dicho, puede pensarse que La flor de mi secreto (por esconder, simbólicamente, parte del "secreto", femenino y floreado, que pivota el "almodovarismo") ocupa un lugar privilegiado en el conjunto de su autor, pero en verdad estamos ante uno de sus trabajos más irregulares (para el caso, igualmente excelente). Y vista con ojos de 2017, seguramente la más actual de todas sus filmaciones. Tras Julieta, su película más seca y desoladora, Almodóvar parece reivindicar con mayor intensidad a Amanda Gris como su particular alter ego cuando ésta asegura que "no sé escribir novela rosa; lo intento, pero me sale negra". Porque el cine que haga Almodóvar en el futuro promete ser de una negrura inusitada. Esperemos sentados al arropo de un buen vaso de vino, como Amanda al final de su periplo: tras el abismo, lo mejor está por venir. También la mejor película de Almodóvar. Nota: 7 / 10

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martes, 18 de julio de 2017

CRÍTICA | CUERVOS (WRONY), de Dorota Kedzierzawska



CUERVOS (WRONY)
Premiada en el Munich y Polish Film Festival
Polonia, 1994. Dirección y guión: Dorota Kedzierzawska Reparto: Karolina Ostrozna, Kasia Szczepanik, Malgorzata Hajewska, Anna Prucnal Fecha de estreno en España: Inédita Tráiler: Link 


Crítica José: La niñez, una etapa de inocencia en la que todo ser humano disfruta jugando. Pero en la niñez de Crow todo es diferente. Su vida es de color oscuro por la falta de cariño de su madre. Crow un día decide “secuestrar” a una pequeña niña, con la que desempeña el papel de la mamá. 66 minutos que nos muestran la aventura que emprenden ambas niñas, una historia sencilla pero eficaz sobre lo que sucede cuando los padres "ignoran" a sus hijos. Suman unas pequeñas actuaciones que se desempeñan de manera brillante y una música que queda adherida en los momentos justos de la cinta. Gracias a Dorota Kedzierzawska por esta cinta y por desprenderme algunas lagrimitas al terminarla de verla. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: En algún lugar austero de Polonia, Dorota Kedzierzawska filma esta desangelada historia que nos lleva a conocer la vida de dos niñas unidas por la desigualdad. Cuervos es un contraste entre quienes reciben el amor paternal que les corresponde y ese otro grupo que desde el inicio de su existencia se les ha negado el afecto paternofilial. De esta premisa surgen las actitudes irreverentes que comete el personaje protagonista de esta historia: una niña desprovista de afecto a quien el dolor y la amargura han restado inocencia. Cuervos es un singular drama que mezcla ternura y desprecio, inocencia y maldad. La cámara se sitúa de manera precisa, plasmando escenas interpretadas con mucho acierto por la pequeña protagonista, entregando así al espectador un drama con lecturas sociales interesantes, incluso más allá de su época y bandera. Sin duda, una película altamente recomendable. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Un notable trabajo de Dorota Kedzierzawska que nos permite ver dos días de la vida de Wrony, una pequeña niña de 9 años que vive con su madre en un pueblo junto al mar. La madre es la representación del descuido paternal: encierra a su hija en su habitación o la deja fuera de casa solo para tener relaciones sexuales con otros hombres. La imagen distante y nula de un amor que Wrony (Karolina Ostrozna) nunca ha conocido, elementos tóxicos que tienen envenenada la inocencia de una niña solitaria y molesta con su vida; una niña que un día secuestra a una pequeña de 3 años para experimentar junto a ella el afecto paternal que nunca ha recibido. De aquí en adelante, la narración toma un sentimentalismo que le da forma a la tristeza que vive la pequeña. Esta película fácilmente podría haber tomado un camino más cruento, teniendo al secuestro infantil y maltrato psicológico como ejes conductores de la trama, pero la directora sabe sacarle provecho a la sensibilidad del espectador y expone un caso que pone en alerta a los adultos de cualquier época. Nota: 8 / 10


Crítica Xavier: El amor se da o se recibe, pero nunca se pide. Aún menos se mendiga. Pero hay contextos tan extremos y seres tan débiles que es imposible no pensar qué sucede cuando a alguien se le niega todo atisbo de cariño. Cuervos, destinada a ser una de las grandes sorpresas de nuestro festival, nos introduce en espacios vacíos: casas en ruinas, playas hostiles y calles empedradas con charcos. Una niña juega absolutamente sola. En su infatigable búsqueda de afecto decide raptar a una niña más pequeña que ella. Los juegos se convierten en expresiones diabólicas de sus necesidades y carencias, pero la película nunca apuesta por el tremendismo. Al final, uno no sabe qué personaje cuida al otro, quién es la madre de quién, dónde empieza la inocencia y termina la maldad. Kedzierzawska, a imagen y semejanza del Erice de El espíritu de la colmena y del Saura de Cría... cuervos, traza una delicada oda a la infancia en un contexto de marginalidad y represión. Dura, frágil, bella. Parca en diálogos y escueta en metraje. Como debe ser. Porque sólo puede ser así. Probablemente la fábula de Kedzierzawska esconde relaciones con la Polonia posterior a la Segunda Guerra Mundial que nosotros no podemos percibir, pero sus temas son tan modernos que Cuervos (Wrony) merece ocupar un espacio privilegiado en el acervo cinéfilo. Nota: 7 / 10

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lunes, 17 de julio de 2017

CRÍTICA | M. BUTTERFLY, de David Cronenberg


M. BUTTERFLY
Sant Jordi al mejor actor protagonista
Canadá, 1993. Dirección: David Cronenberg Guión: David Henry Hwang, a partir de su obra teatral Reparto: Jeremy Irons, John Lone, Barbara Sukowa, Ian Richardson, Annabel Leventon, Shizuko Hoshi, Richard McMillan, Vernon Dobtcheff Fecha de estreno en España: 03/12/1993 Tráiler: Link


Crítica José: En M. Butterfly, Cronenberg adapta la premiada obra teatral de Broadway, desligándose, solo en apariencia, de sus trabajos anteriores, pues sus principales inquietudes escénicas vuelven a manifestarse: la debilidad por los miedos internos, la transformación corporal del hombre y los oscuros fondos de la mente humana. Una de sus creaciones más redondas, bellas y misteriosas, una historia que oprime, asfixia el alma haciendo al espectador cómplice de su ambigüedad romántica, intrigado por los pliegues de un imprescindible Jeremy Irons en el papel de un diplomático francés misteriosamente enamorado, hechizado por una enigmática diva de la ópera de Pequín, Song Liling, una relación tortuosa que llevará a Irons a las cloacas del dolor ardiente, el impulso que roza la locura hasta implantarse en la ceguera de un amor indescifrable. El final es estremecedor, absolutamente magnífico. Irons elevado a la máxima potencia como actor. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: En M. Butterfly asistimos a un curioso drama romántico basado en hechos reales. Se desarrolla en una atmósfera enigmática y con personajes intrigantes, al mismo tiempo que nos permite vislumbrar una correcta puesta en escena, sobre todo una destacable fotografía y música que acompañan las interesantes interpretaciones de Irons y Lone. El metraje arranca con interés pero conforme pasan los minutos se percibe un tanto frío, en algunos momentos incluso inverosímil, lo cual no permite que el espectador llegue a conectar totalmente con la historia que se pretende contar. M. Butterfly sin duda se aleja del estilo habitual de Cronenberg: tal vez dicho detalle "le pasó factura" al realizador, que parece no haber ensamblado bien todas las partes. Una cinta que intenta labrar el camino para su perturbador desenlace pero se queda a medias en su ejecución, dando paso a más de un momento poco creíble, por mucho que se incluya lo de “basado en hechos reales”. Nota: 5 / 10


Crítica Ronnie: Resulta raro enterarse que David Cronenberg filmó un día esta película, ya que se aleja del cine visceral al que nos tiene acostumrbados. Ambientada en la China de los años sesenta, relata el idilio amoroso entre René Gallimard y una diva de la ópera de Pequín, basada en hechos reales según dicen los títulos, y a partir de la obra de Broadway galardonada con un Tony. Una impecable realización, decorados, sets, vestuario, maquillaje y música maravillosa, tanto como lo permite esta fascinante historia. Cronenberg cuenta con colaboradores habituales que le ayudan a desarrollar sus proyectos de una manera más solvente: Howard Shore compone una banda sonora sensual y sugerente que va en perfecta sincronía con la ópera inmortal de Puccini, la fotografía de PeterSuschitzky contrasta los lujosos escenarios de China y París con los claustrofóbicos decorados que se rodaron en estudios de Toronto, y Jeremy Irons está impecable como el contador de la embajada francesa en China que se enamora de una actriz. Irons y un irreconocible John Lone llevan el peso de la cinta sobre sus hombros con sus perturbadoras e inquietantes actuaciones. Nota: 9 / 10


Crítica Xavier: Casi nunca conecto con los mundos de David Cronenberg, si bien le reconozco en todas sus películas una mirada muy particular a la hora de abordar los terrenos del horror y la fantasía. Con M. Butterfly se repite mi apatía hacia el director de La mosca, pero en este caso con una novedad más inquietante si cabe: en ningún fotograma de la cinta reconozco al Cronenberg de toda la vida. Incluso juego a imaginarme al canadiense en el set de rodaje, aburrido y desubicado, preguntándose qué hacía ahí contando esa historia, como ese Jeremy Irons que queda atrapado por una pasión que no cala en la platea. De M. Butterfly no me creo absolutamente nada: ni sus largas disquisiciones socioculturales entre Oriente y Occidente, ni los vínculos con la ópera homónima, ni la confusión de sexos / sexualidades, ni su ambientación de época, ni su contexto político... ni tan siquiera a Irons, un actor desganado, con porte pero frío como un bloque de hielo. Y como el final se intuye evidente desde los pocos minutos, mis pestañas se cerraron como pai pais haciendo viento. ¿Por qué Cronenberg renunció a sus derivas inquietantes en una historia que necesitaba de su sello autoral? Una película fallida. Nota: 5 / 10

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domingo, 16 de julio de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X31 - ESTRENOS VERANO 2017


Programa nº 54 de El podcast de Cinoscar & Rarities. Repaso a los estrenos más destacados del mes de junio, con la colaboración de Mayra Meza, Álex Tielas, Javi Burriel y Guillermo Navarro. ¡Gracias por darle al play!


Guía de programa:
1' Presentación - 4' Noticias - 11' Blockbusters: SPIDER-MAN: HOMECOMING, LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS, UNA NOCHE FUERA DE CONTROL y BAYWATCH: LOS VIGILANTES DE LA PLAYA - 27' Director: Andrzej Wajda y LOS ÚLTIMOS AÑOS DEL ARTISTA: AFTERIMAGE - 33' Estrenos en streaming: OKJA, LAGO SHIMMER y SANDY WEXLER - 38' Cartelera: Aurora (Jamais contente), El hombre del corazón de hierro, Sieranevada, En la vía láctea, Un minuto de gloria, The Love Witch, Prevenge, Llega de noche, Asuntos de familia, La casa de la esperanza, Su mejor historia, Tom of Finland, Estados Unidos del Amor y La decisión del rey - 58' Series: FEUD: BETTE AND JOAN, THE SON y GLOW - 64' DVD: Moonlight, Manchester frente al mar, Silencio, Toni Erdmann y La La Land (La ciudad de las estrellas) - 69' Tráiler del mes: COCO - 73' Banda sonora: BABY DRIVER - 80' Despedida y canción: The Devil and The Huntsman, de Sam Lee y Daniel Pemberton

Estrenos del mes:
Especiales CINE DE LOS 90:

Episodios anteriores:

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Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

sábado, 15 de julio de 2017

CRÍTICA | LOS JUNCOS SALVAJES, de André Téchiné


LOS JUNCOS SALVAJES
4 premios César, incluyendo mejor película y dirección
Francia, 1994. Dirección: André Téchiné Guión: André Téchiné, Gilles Taurand y Olivier Massart Reparto: Élodie Bouchez, Gaël Morel, Stéphane Rideau, Frédéric Gorny, Michéle Moretti, Jacques Nolot Fecha de estreno en España: 21/04/1995 Tráiler: Link


Crítica José: André Téchiné logra una dirección elegante y un tratamiento sin deformaciones: aborda el tema de la sexualidad adolescente de una forma serena, íntima y honesta, sin desequilibrios ni los malos entendidos en los que caen la mayoría de películas de temática similar. Los juncos salvajes es una película sincera y respetuosa, enmarcada en un lugar adecuado, y en un tiempo correcto. Se exponen las diferentes situaciones de los jóvenes con respeto, y las disecciona minuciosamente, mostrando su inseguridad pero también su madurez, sacando de todo ello una serie de reflexiones interesantes y una historia hermosa. Nota: 8 / 10


Crítica Mayra: Los juncos salvajes es un relato interesante sobre los conflictos internos de sus jóvenes protagonistas. La cinta dibuja sobre un lienzo en blanco las personalidades de cada uno de sus personajes hasta dar como resultado una obra final con muchos matices, de gran profundidad y sumamente conmovedora. La historia de Téchiné, alejada de los tópicos norteamericanos a la hora de retratar la juventud, y ambientada en una guerra que no se percibe pero funciona como vehículo conductor de la trama, nos presenta jóvenes variopintos en plena etapa de despertar sexual, de descubrimiento y exploración de sí mismos y de su entorno. Los juncos salvajes es un atractivo retrato de una juventud europea y sesentera con curiosas ideas, pasiones y tensiones, lo cual, aunado a la notable labor interpretativa de sus jóvenes actores, enriquece el relato de tal manera que se obtiene una obra muy humana y agradable. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Téchiné dirige una trama que se basa en las relaciones propias de la adolescencia, con cambios y experiencias que definen el descubrimiento del amor y la atracción física. La forma en que lo cuadra resalta sobretodo por la veracidad de su relato, la forma en la que sus personajes reaccionan a su entorno a través de sus sentimientos por medio de impulsos y atracciones eróticas; todo esto, en medio de un trasfondo bélico, ya que la trama se desarrolla durante el conflicto armado entre Francia y Argelia. A pesar del esfuerzo del realizador por describir el mundo adolescente de una manera concisa, al final de la película no logramos despegarnos de esa sensación de superficialidad en el trato hacia unos persojaes que, a grandes rasgos, resultan bastante complejos. Con todo eso, Los juncos salvajes no deja de ser la madurez de estilo de un realizador que ha caraterizado su carrera por la forma en que examina las relaciones humanas, sin caer en sentimentalismos baratos y con el estilo más intimista posible. La película supuso un gran éxito en su país natal (Francia), sobre todo en las carreras de su elenco juvenil, con unas actuaciones correctas y una bella Élodie Bouchez. Sólo por la escena del río ya merece su viosionado. Nota: 7 / 10


Crítica Xavier: La concepción de Los juncos salvajes es bastante singular. André Téchiné, junto a otros directores del país, fue invitado por parte de la televisión pública francesa para filmar un mediometraje sobre su adolescencia. Al programa, que terminó por llamarse Tous les garçons et les filles de leur âge (en claro juego con la canción de Françoise Hardy), Téchiné aportó la pieza La chêne et le roseau, y de la ampliación de ésta surgió Los juncos salvajes, la ganadora del César más valiente (por su vinculación gay) y a contracorriente de la década de los 90 (se impuso a la taquillera El profesional (León), al éxito de crítica de Tres colores: Rojo y al drama de época típicamente galo que representaba La reina Margot). Un contexto sorprendente por varios motivos. En primer lugar, por el riesgo televisivo que suponía emitir en prime time el despertar (homo)sexual en la Francia de los 60, para más inri en un internado conservador y con la Guerra de Argelia como recurrente telón de fondo. En segundo término, por la valentía de una industria, la de nuestros vecinos, endémicamente apegada a los correctismos. Y, finalmente, por tratarse de un cineasta, Téchiné, de carrera dilatada pero en parte deslucida (su cine ha sido invisibilizado en la patria del chovinismo, ahí es nada). Ya lo dice el director en estos "juncos que se doblan pero siempre siguen en pie": cualquier tiempo pasado fue mejor, o al menos así lo percibimos desde el presente. Una melancolía luminosa a pesar de sus claroscuros que adquiere significaciones más grandes si pensamos en la dictadura del "correctismo" en la que vivimos a día de hoy. Porque ahora, más allá de los Pirineos, La vida de Adèle es prohibida por grupos ultracatólicos, el cine LGTBI se desnorta en provocaciones baratas, la cinefilia moderna carece de referentes y las películas que se producen apenas contienen una décima parte del decoro, la sensibilidad y la complejidad de una obra como la que nos ocupa. Rastros, pruebas, intuiciones, incluso certezas de la magna opus que es Los juncos salvajes. Nota: 8 / 10

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viernes, 14 de julio de 2017

CRÍTICA | HAPPY TOGETHER, de Wong Kar-Wai



HAPPY TOGETHER
Festival de Cannes: Mejor director. Nominación al Independent Spirit Award
Hong Kong, 1997. Dirección y guión: Wong Kar-Wai Reparto: Leslie Cheung, Tony Leung Chiu Wai, Gregory Dayton, Chang Chen, Shirley Kwan Fecha de estreno en España: 14/11/1997 Tráiler: Link


Crítica José: Una cinta hermosa, que brilla con luz propia. Wong Kar-Wai nos ofrece una historia de amor homosexual entre Lai Yiu-Kai y Ho Po-Wing. Ambos han decidido viajar de Hong Kong a Argentina, pero las cosas no van del todo bien para la pareja y se enfrentarán a su separación y a distintos avatares. Una historia sencilla, pero que cautivará a cinéfilos viajeros.  Nota: 8 / 10


Crítica Mayra: Happy Together es una historia que sin duda resultará más o menos interesante dependiendo de quien la mire. Para quien escribe estas líneas, resulta en cierto modo una historia sobre relaciones amorosas tóxicas ya vista muchas veces, con el plus de que en este caso se trata de una pareja del mismo sexo. Happy Together inicia mostrando momentos felices de la pareja protagonista y, mientras se desarrolla la trama, el espectador es testigo del deterioro de esta relación que pasa del amor al desamor, mostrándonos así las penurias de este par que no se saben amar pero tampoco olvidar. Un relato con aire poético y correcta dirección en el que también se habla de la soledad, la amistad y la nostalgia de encontrarse lejos del hogar. La música, la fotografía y sus colores sin duda juegan un papel importante y complementan el relato y sus curiosos personajes, que están interpretados con acierto. Pero debo admitir que Happy Together no me ha emocionado, tal vez porque soy de esas personas que piensa que el amor es una decisión antes que un sentimiento arbitrario. Aunque, más allá de mis raras ideas, estamos sin duda ante una obra que merece ser vista. Nota: 6 / 10


Crítica Ronnie: Kar-Wai aborda un tema tabú de nivel universal para la época, no solo asiático. Happy Together es una desgarradora historia de amor llena de sentimientos que te van arrancando poco a poco fragmentos del corazón, es apasionante y es una película crudamente romántica y bella. La enfermiza relación entre los protagonistas demuestra un amor fraternal, un amor salvaje de locos, una pasión con la que sufren y disfrutan al mismo tiempo; besos que resultan en mordidas, abrazos en los que ambos se funden en un apasionado ardor, charlas que dan pie a discusiones, discusiones en las que el odio es aparentemente sincero hasta que un beso vuelve a comenzar el ciclo de un amor caótico y atormentado. La película es eso, la historia de amor salvaje entre este par de enamorados, y resulta tan humana y auténtica gracias a su intensidad; una obra visualmente poética. Los cambios de luz en la fotografía de la cinta resultan arriesgados en la mayoría de sus planos, que, conjugados a sus cambios de velocidad inesperados, la obra reafirma su plasticidad con un gusto inefable por parte del director, que no tiene ningún interés en contar este relato de manera sencilla. De todo el espectacular reparto destaca la figura impávida de Tony Leung, actor fetiche del realizador que da todo de sí al papel de Lai Yiu-fai. Premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1997, y ahí nació la leyenda de Wong Kar-Wai. Nota: 9 / 10 


Crítica Xavier: Tras el estreno de Deseando amar y 2046, en España, también en todo el mundo, se desató una "fiebre Kar-Wai". Parte de esa euforia benefició a las noventeras Chungking Express, Fallen Angels y Happy Together, cuya recuperación hizo de ellas una especie de trilogía de los mundos románticos, vaporosos y coloristas que transita el director hongkonés. En ese contexto, vi Happy Together con quince años en alguna emisión de La 2 (grabada, cómo no, en VHS), por lo que su visionado en 2017 ha supuesto, necesaria e involuntariamente, un enésimo descubrimiento de ésta. Y me sorprendo encontrándome con la misma película apesadumbrada y bella del primer día. Pintada casi a mano, entre negros, rojos y tonos ámbar. Al son de tangos lánguidos, "pachanga" latina y Frank Zappa. Con una historia de amor, luego ampliada a triángulo, que cuenta con mucho tacto la desazón que se siente en un país extraño, en una cama ajena. Lo mejor de todo ello es darse cuenta que el realismo mágico de Kar-Wai, ligado en su momento al aperturismo LGTBI y al estilo videoclipero, sigue resultando moderno. Más si cabe esta Happy Together, en esencia una historia sobre la insatisfacción vital, un estado de ánimo compartido por mi generación y por los "millennials". En definitiva, un clásico del que, tras su último fundido a negro, justamente al término del Happy Together cantado por Danny Chung, se tiene la sensación de despertar de un profundo sueño. Tal vez de una pesadilla. De una obra que, si no es maestra, se le asemeja muchísimo. Nota: 8 / 10

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jueves, 13 de julio de 2017

CRÍTICA | VIVIR RODANDO, de Tom DiCillo


VIVIR RODANDO (LIVING IN OBLIVION)
Premiada en los festivales de Sundance, Deauville, Estocolmo y Valladolid
EE. UU., 1995. Dirección y guión: Tom DiCillo Reparto: Steve Buscemi, Catherine Keener, Dermot Mulroney, Danielle von Zerneck, James LeGros, Michael Griffiths, Rica Martens, Peter Dinklage Fecha de estreno en España: 22/03/1996 Tráiler: Link


Crítica José: El rodaje de una película de bajo presupuesto da lugar a un brillante enredo satírico, que es también una cariñosa pieza de cine dentro del cine. Con una tonelada de inteligencia, DiCillo aprovecha a fondo tres bazas: la oposición entre lo soñado y lo real, entre lo filmado y el proceso de filmación, y entre el color y el blanco y negro. La paciencia del espectador se pone a prueba durante l primer cuarto de hora, pero a partir de ahí la película empieza a ganar interés hasta alcanzar hilarantes momentos de total solutra, llenos de comicidad ingeniosa. Steve Buscemi se luce (¿quién dijo alguna vez que este actor no tenía potencial? Pues aquí y en Reservoir Dogs lo demuestra). Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: Creo que si hay algo que resulta sumamente interesante para un cinéfilo es ver una película que cuente en su argumento los entresijos de este apasionante arte que es el cine. Vivir rodando es precisamente eso, la historia de un director de cine independiente que mientras intenta rodar su película encuentra más de un obstáculo por el camino, lo que da lugar a una tragicomedia que se desarrolla con mucha agilidad y perspicacia. Vivir rodando es una sátira del mundillo del cine independiente, y sus personajes nos presentan un atisbo de los pros y los contras que debe sobrellevar el que sueña con dedicarse a hacer películas. Una alocada pero en todo momento curiosa y entretenida aventura cinematográfica que logra enganchar al espectador a lo largo de sus 90 minutos con mucha simpatía. El guión tal vez resulte sencillo y algo tramposo, pero cuenta con una correcta puesta en escena, destacable montaje y además un reparto que encaja a la perfección. Totalmente disfrutable y recomendable. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Una aclamada comedia independiente que relata minuciosamente el proceso creativo de una filmación. Venga, cine dentro del cine... suena bastante interesante, más si cabe si Tom DiCillo lo hace con un gran toque de humor ácido, pero sobre todo con un enfoque sincero. Vivir rodando es entretenida y fresca, el relato de un realizador que podría resultar un mártir tras todos los inconvenientes que se le presentan en el momento de realizar su trabajo, dificultades tangibles con las que cualquiera dentro de un proceso creativo puede toparse. Steve Bucsemi es un as dentro de la comedia indie de Hollywood y por algo es considerado uno de los mejores actores de su generación: aquí le descubrimos en un papel más que memorable, aunque sin duda Catherine Keener resulta ser la estrella del lugar. Buen ejercicio de DiCillo, ganador del premio al mejor guión en Sundance. Nota: 8 / 10


Crítica Xavier: Amar el cine implica ver muchas películas, pero también interesarse por toda la maquinaria interna que hace posible la magia del séptimo arte. Vivir rodando, ejemplo de título que cuenta las bambalinas de un rodaje (la ficción dentro de la ficción), tiene, por ese motivo, mucho campo ganado entre cualquier espectador que presuma de cinefilia. En clave de tragicomedia, Tom DiCillo satiriza las producciones de bajo presupuesto mostrando las tensiones entre actores, técnicos y toda esa fauna extraña que vive por y para el cine. Porque nadie en su sano juicio se levantaría a las 4 de la mañana para irse a rodar una historia mediocre. Pero, cuando hablamos de cine, la locura es muy necesaria, tanto para el que filma como para el que visiona. En definitiva, en ese juego autorreferencial en el que los colores y el blanco y negro mutan (porque la realidad puede estar indistintamente delante o detrás de las cámaras, en un flashback o en un sueño), Vivir rodando se gana toda nuestra simpatía. Presidida por un guión que perfectamente podría firmar el Woody Allen más inspirado. Con arranques de genialidad, pero sin la ampulosidad que afecta a parte del cine independiente. Porque sabemos que los personajes, a pesar de los pesares, seguirán viviendo y rodando. Y nosotros, espiando todas sus locuras. Un film desquiciado y delicioso. Nota: 7 / 10

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miércoles, 12 de julio de 2017

CRÍTICA | TOM & VIV, de Brian Gilbert



TOM & VIV
2 nominaciones al Óscar y Bafta, y 1 candidatura a los Globos de oro
Reino Unido, 1994. Dirección: Brian Gilbert Guión: Adrian Hodges y Michael Hastings Reparto: Willem Dafoe, Miranda Richardson, Rosemary Harris, Tim Dutton, Nickolas Grace, Geoffrey Bayldon, Clare Holman, Philip Locke, Joanna McCallum, Joseph O'Connor Fecha de estreno en España: 11/11/1994 Tráiler: Link


Crítica José: Thomas S. Elliot, un poeta americano, y Vivianne Haigh-Wood, una aristócrata, coinciden en Londres durante la Primera Guerra Mundial. Tras conocerse en la Universidad de Oxford como estudiantes, se enamoran. En la película se narra las dificultades de Thomas y Vivianne para mantenerse juntos, dado el rechazo de la familia de ella a la procedencia humilde del poeta y la inestabilidad mental que pronto Vivianne empieza a manifestar. La interpretación tanto de Willem Dafoe como Thomas y Miranda Richardson como Vivianne es impresionante, transmitiendo a los personajes todas las luchas a las que tienen que hacer frente. Nota: 6 / 10


Crítica Mayra: En Tom & Viv asistimos al biopic del famoso escritor Thomas S. Elliot. La cinta narra la relación entre Elliot y su primera esposa. Un drama romántico que nos muestra el inicio del idílico romance y posteriormente los entresijos de la conflictiva convivencia matrimonial; a la vez que también relata el devenir de la carrera de Elliot. Si bien es cierto que Tom & Viv cuenta con una solvente puesta en escena y sobre todo las interpretaciones de Richardson y Dafoe resultan correctas, hay que admitir que la historia se percibe poco interesante, aún cuando su desarrollo es elegante y correcto (como suele suceder en la mayoría de films británicos y de época), todo se siente demasiado superficial. En cierto modo resulta paradójico que tratándose de un film sobre la vida de un poeta, el retrato en su conjunto carezca de alma y emocione poco o nada al espectador. Una cinta que, a pesar de todo, no llega aburrir, pero no logra dejar huella ni sobresalir de entre las obras de su tipología. Nota: 5 /10


Crítica Ronnie: Basada en una historia de amor real entre el poeta americano Thomas S. Elliot y Vivianne Haigh-Wood, hija de una familia aristócrata de Londres durante la Primera Guerra Mundial, despúes de conocerse en la Universidad de Oxford cuando eran estudiantes. Ambos deciden contraer matrimonio pero, debido a que S. Elliot carece de fortuna alguna, deciden huir de casa para poder casarse. Principalmente destaca el trabajo actoral realizado por los dos actores principales, Willem Dafoe como Thomas y Miranda Richardson (nominada al Óscar de mejor actriz) como la desequilibrada Vivianne. La composición de ambos personajes vale completamente el visionado. Mención especial para Rosemary Harris como la madre de Vivianne. La burguesía inglesa queda retratada en este capítulo de amor entre dos individuos de distintas clases sociales, pero sobra decir que el paso del tiempo hace ver el relato un tanto desgastado en su composición fílmica. Situación que no sucede con Wilde, cinta del mismo realizador. Nota: 6 / 10


Crítica Xavier: En los Óscar se suele hablar de "cuotas". Ahí está la cuota indie, la cuota industrial, la cuota gay o las cuotas que se quieran. Tom & Viv forma parte de una cuota muy evidente (y muy influyente en casa de la Academia durante los 90): la británica. Y en consonancia con esa cuota, la película es todo aquello que uno puede imaginarse antes de "darle al play": interpretaciones trabajadas (con dejes muy teatrales), una puesta en escena muy medida (también algo postiza), un guión "elegante" (en el fondo, eufemismo de "aburrido") y cuantos lugares comunes puedan imaginarse. Tom & Viv, en definitiva, poco puede sorprendernos. El problema se amplía si tenemos en cuenta que la película, por lógico paso del tiempo, ha quedado un tanto acartronada. Y aquí la tenemos en nuestro festival, tan bellamente desubicada como un jarrón barroco de nuestros abuelos en mitad de un salón modernista. No es que Tom & Viv sea una mala cinta: es que en los 90 ya olía a naftalina. Pero para gustos, colores. Y cuotas, porque a los fervientes defensores de la cuota clásica (¿o era clasiconda?) les entusiasmará. Nota: 5 / 10

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martes, 11 de julio de 2017

CRÍTICA | CUANDO VUELVAS A MI LADO, de Gracia Querejeta



CUANDO VUELVAS A MI LADO
Festival de San Sebastián: mejor fotografía y mención especial del jurado. 7 nominaciones a los Goya
España, 1999. Dirección: Gracia Querejeta Guión: Elías Querejeta y Gracia Querejeta Reparto: Mercedes Sampietro, Julieta Serrano, Adriana Ozores, Marta Belaustegui, Rosa Mariscal, Jorge Perugorría, Ramón Barea Fecha de estreno en España: 08/10/1999 Tráiler: Link


Crítica José: Tras la noticia del fallecimiento de su madre, tres hermanas se reúnen: Ana, Gloria y Lidia. Pronto se darán cuenta que su madre había dispuesto que sus cenizas fueran divididas en tres partes para ser entregadas a distintos destinatarios. A pesar de esto, el reencuentro de las tres hermanas no será nada fácil, porque habrá secretos familiares que salen a la luz. Gracia Querejeta y Elías Querejeta nos traen una historia en la que los personajes llegan a las profundidades de su corazón y psique. Es interesante cómo se nos lleva del pasado al presente en continuas ocasiones (flashbacks) para relatarnos una historia compleja, llena de matices y resuelta con una sencillez brillante. Una película que nos habla del amor, del desamor y de sus terribles consecuencias, del rencor y de lo no dicho, del miedo, de la incomunicación, del peso que tiene el pasado sobre nuestras vidas, de encuentros y por supuesto de relaciones humanas. Nota: 7 / 10


Crítica Mayra: Cuando vuelvas a mi lado va descubriendo sus cartas a lo largo del metraje y nos hace intuir el presente llevándonos a conocer el pasado, un viaje que nos traslada a la niñez y adolescencia de sus tres mujeres protagonistas, para así profundizar en sus vidas y en los secretos familiares culpables de la desdicha silenciosa que acarrean. Una trama que tal vez se intuye sencilla pero al mismo tiempo compleja en cuanto al mundo interior de sus personajes. Cuando vuelvas a mi lado contiene un guion original muy interesante protagonizado por mujeres frágiles y a la vez fuertes, de pasado espinoso, de traumas y verdades a medias. Un drama de intrigante narrativa que sabe captar la atención del espectador y que además cuenta con unas interpretaciones muy destacables (sobre todo el trabajo de Mercedes Sampietro, Ana Ozores y Jorge Perugorría), sin dejar de mencionar su correcto montaje, fotografía y acorde banda sonora que hacen de éste un relato intenso y entretenido. Tal vez no es la mejor obra de su directora, pero sin duda es una película a tener en cuenta. Nota: 7 / 10


Crítica Ronnie: Unos personajes entrañables que se construyen firmemente gracias a un sólido guión firmado por Elías Querejeta y Gracia Querejeta, que resalta por su profunda sencillez. Destacan las actuaciones de Adriana Ozores y Mercedes Sampietro, que llenan la pantalla entre reproche y reproche. La película toma un viaje de ida y vuelta entre el amor y el desamor, tomando en cuenta sus consecuencias, miedos y encuentros. Gracia Querejeta nos habla del peso que tiene el pasado sobre nuestras vidas, con su brillante capacidad para contar historias. Fue nominada a siete Goyas y terminó por morder el polvo en todas las categorias, una anécdota. Ahora, gracias a este festival, podemos darnos la oportunidad de ver una historia de mujeres que esconden secretos importantes que repercuten en la actualidad de sus vidas. Un relato cruel pero sincero, cuyo final pone la cereza a un pastel nostálgico y melancólico que tiene una banda sonora bastante ad hoc al contenido mostrado. Sin embargo, y pese a lo poco o mucho que menciono, es inevitable que para algunos éste sea un ejercicio de insipidez total, un desaprovechamiento abismal de actrices de alto calibre y un cine difícil de interpretar. Pero, si me permitís un consejo, no os caséis nunca con la crítica encarnizada que aporrea el trabajo de otros. Nota: 8 / 10


Crítica Xavier: El universo de Gracia Querejeta se declina en femenino. Lo presiden mujeres fuertes, contradictorias y contrariadas. Todas ellas escudriñan en sus raíces familiares para encontrar respuestas a su desazón. Dependiendo del contexto, también de los lazos que les unen con el resto de personajes, esas féminas se convierten en víctimas o verdugos, en cómplices o enemigas. Pero todas, cada una a su manera, defienden "lo suyo" en un mundo que juega a silenciar sus voces. Cuando vuelvas a mi lado se vehicula por la imagen de tres hermanas dentro de un coche, en pleno proceso de luto y descubrimiento. Un prototipo de road movie vital que desde hace dos décadas vienen protagonizando Adriana Ozores y Maribel Verdú, las dos musas de Querejeta. De nuevo, se manifiestan los temas preferidos de su firmante, su sensibilidad a la hora de abordar dramas personales y la constante relación de tiempos pretéritos y presentes. Muy probablemente, en términos de producción, Cuando vuelvas a mi lado es la película más compleja de Querejeta, pero tras darle un par de visionados hay algunas piezas que no casan. Como si, en su entramado de secretos, se escondiera la obviedad más absoluta, la ausencia de un verdadero trauma que dé densidad a todo lo que se está contando. El resultado es una película apreciable, pero lejos de Siete mesas de billar francés y sobre todo de Héctor, las mejores obras de su directora. En su momento, se fue de vacío en los Goya precisamente por culpa de otros dos relatos femeninos, más complejos y muchísimo mejor trabados: Solas de Zambrano y Todo sobre mi madre de Almodóvar. Veremos qué suerte corre en nuestro festival. Nota: 6 / 10 

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