domingo, 30 de octubre de 2016

CRÍTICA | LOCAS DE ALEGRÍA (LA PAZZA GIOIA), de Paolo Virzì


No estamos locas y sabemos lo que queremos
LOCAS DE ALEGRÍA (LA PAZZA GIOIA), de Paolo Virzì
Festival de Valladolid: Espiga de oro a la mejor película, mejores actrices y premio del público
Italia, 2016. Dirección: Paolo Virzì Guión: Francesca Archibugi y Paolo Virzì Música: Carlo Virzì Fotografía: Vladan Radovic Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti, Elena Lietti, Tommaso Ragno, Bob Messini, Carlotta Brentan, Francesca Della Ragione, Roberto Rondelli Género: Comedia dramática Duración: 110 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Beatrice es una condesa multimillonaria y Donatella es una joven sin recursos. Ambas coinciden en una institución psiquiátrica. Cuando escapan de su encierro, los traumas de las dos mujeres afloran.


A lo largo de su carrera, el cineasta Paolo Virzì ha destapado los males italianos a golpe de sonrisas. En esa fina línia se ha mantenido durante tres décadas, un equilibrio que le ha permitido ser un autor considerado dentro y fuera de su país, así como un nombre taquillero y tratado con preferencia desde las órbitas académicas. Locas de alegría (La pazza gioia), para bien y para mal, cumple a rajatabla las constantes tragicómicas de Virzì. Estamos ante una comedia excelentemente pilotada por sus dos actrices protagonistas, Valeria Bruni Tedeschi y Micaela Ramazzotti, de la mano de dos personajes tarados que, en su lucha por conseguir la aceptación social, ponen de manifiesto la enajenación que parece adueñarse de toda Italia. Hay drama personal, tragedia social y road movie de ecos cinéfilos (la referencia más evidente se establece con la falsamente feminista Thelma & Louise). También una relectura carnavalesca, de raíces cien por cien itálicas, de la comedia clásica (en su muestrario de secundarios y situaciones, Locas de alegría es una película que, tomando para sí la débil estabilidad mental de sus cabezas de cartel, cambia de espacios, tono y ritmo cada pocos minutos). Y, cómo no, una película simpática que apela al corazón del espectador, a la postre el encargado de poner orden a una trama tan desbocada, aunque siempre en sus cabales. Con todos estos datos, resulta imposible no alabar la pericia de Virzì a la hora de abordar su particular "cine blanco" (que no inmaculado), pero también se hace necesario subrayar la repetición de su artífice, como si, tras encontrar la fórmula del éxito, a Virzì le quedara poco más que incidir en dicho patrón hasta la saciedad, aun asumiendo que su último estreno es muy diferente, estética y temáticamente, a, por ejemplo, Caterina se va a Roma o La prima cosa bella. Locas de alegría, en resumen, es una cinta tan notable como irregular, hábil a la vez que tramposa, histriónica aunque sin llegar a superlativos molestos. Por mucho que su estudiada estructura haga que la platea en bloque se ponga de parte de sus sufridas protagonistas, a Virzì se le ven las costuras... ¿o seremos nosotros los locos de atar?


Para amantes de las historias de liberación femenina.
Lo mejor: Sus actrices.
Lo peor: Sus trampas.

sábado, 29 de octubre de 2016

CRÍTICA | SHELLEY, de Ali Abbasi



El diablo subrogado
SHELLEY, de Ali Abbasi
Berlín: Sección Panorama. Sitges: Sección oficial a concurso
Dinamarca, 2016. Dirección: Ali Abbasi Guión: Ali Abbasi y Maren Louise Käehne Música: Martin Dirkov Fotografía: Nadim Carlsen y Sturla Brandth Grøvlen Reparto: Ellen Dorrit Petersen, Cosmina Stratan, Björn Andrésen, Marlon Kindberg Bach, Kenneth M. Christensen, Peter Christoffersen, Marianne Mortensen, Patricia Schumann Género: Drama. Terror Duración: 95 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Una pareja danesa acoge a una joven rumana en su casa para que les ayude en las tareas del hogar. La chica se presta a ser el vientre de alquiler de su ama, pero a medida que va avanzando el embarazo la paranoia se apodera de la casa.


Los tiempos cambian, hasta para el mismísimo diablo. Si antes era relativamente fácil engendrar el mal, ahora las madres tienen que echar mano de un vientre de alquiler antes de ponerle pañales al pequeño Lucifer. De la maternidad deseada, la impuesta y la extraña criatura que deriva de todo ello habla Shelley, thriller danés que compitió en el Festival de Sitges. Aunque la premisa da para interesantes reflexiones, la película aspira a ser una experiencia desasosegante que se entrega a lo inexplicable. Los tres protagonistas, que viven en una casa de madera, sin electricidad y en mitad de un bosque, sufren durante el metraje distintas transformaciones, si bien las más notables las protagoniza Elena, la nueva asistenta del lugar, y el patriarca, ambos superados por los poderes demoníacos del retoño: la primera lo sufre en sus propias carnes con un embarazo que la terminará por destruir, y el segundo asistiendo a los bizarros comportamientos del bebé. En todo el conjunto subyace las presiones de devenir padre, la relación jerárquica que se establece entre señores y criados, el poder enajenador de la naturaleza en su estado más agreste... pero el cineasta Ali Abbasi apenas descubre la epidermis de todo ese universo. Shelley, como resultado, es un thriller sin demasiada psicología, filmado con tanta elegancia como torpeza, que gustará a los que transitan un cine "malrollero". Una cinta mediocre que se vio beneficiada de la atmósfera cinéfila, gritos y aplausos incluidos, que se respira en los auditorios sitgenses. 


Para padres primerizos con dudas.
Lo mejor: Consigue una atmósfera notable con muy pocos elementos.
Lo peor: Le falta poso dramático.


Escucha EL PODCAST DE C&R: ESPECIAL FESTIVAL DE SITGES 2016

viernes, 28 de octubre de 2016

CRÍTICA | EL CIUDADANO ILUSTRE, de Mariano Cohn y Gastón Duprat


El artista y la plebe
EL CIUDADANO ILUSTRE, de Mariano Cohn y Gastón Duprat
Festival de Venecia: Copa Volpi al mejor actor
Argentina, 2016. Dirección: Mariano Cohn y Gastón Duprat Guión: Andrés Duprat Fotografía: Mariano Cohn Música: Toni M. Mir Reparto: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D'Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera Género: Comedia dramática Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 11/11/2016
¿De qué va?: Un escritor argentino recibe el Premio Nobel de Literatura. Afincado en Barcelona, decide regresar tras 40 años de ausencia a Salas, el pueblo donde nació, para recibir un homenaje. A su llegada, el hombre deberá cubrir una agenda apretada de actos, situaciones surrealistas y encuentros tanto deseados como indeseados. 


Cohn y Duprat, en España conocidos por El hombre de al lado, vuelven a sumar fuerzas en El ciudadano ilustre, la crónica de un escritor que vuelve a su pueblo natal para recibir un homenaje de sus más allegados. La visita, cargada de excentricidades y momentos peripatéticos, desmontan la turbia personalidad del artista, por lo general nada complaciente con la gente de su entorno, a la vez que asistimos a las corruptelas y debilidades de sus convecinos, que no dudan en galardonar a su habitante más internacional con el título de Ciudadano Ilustre. Con estas bases, la película intenta ser una "borgiana" aproximación a las complejidades de la literatura, sus firmantes y sus receptores, sin olvidar una crítica soterrada al populismo de unos y a la misantropía de su protagonista. Los polos se intuyen tan opuestos que la comedia, sin parapetos posibles, aflora en casi todo momento, pero a la historia le falta mordiente y le sobra dialéctica, como si Cohn y Duprat, incapaces de encauzar un guión que va deshinchándose a medida que avanza, se quedaran a medio camino entre la reflexión sesuda y el entretenimiento liviano. El ciudadano ilustre no es ni una cosa ni la otra, por lo que al final termina resultando una película inofensiva, con grandes dosis de mala baba, pero sin la capacidad de inocular veneno a sus fotogramas. Viendo la parva cosecha que el cine argentino ha registrado este año, puede que la cinta de Cohn y Duprat sea, a falta de nombres más "ilustres", la más idónea para defender a su país en los próximos Óscar y Goya. Esperemos que los jurados académicos no se tomen el discurso de Cohn y Duprat sobre la pobreza intelectual de la plebe y la pedantería de las élites artísticas como un ataque.


Para amantes de la retranca "ché".
Lo mejor: El prólogo en la entrega del Nobel.
Lo peor: La visita al puticlub y casi todo su tramo final.

jueves, 27 de octubre de 2016

CRÍTICA | LA COMUNA (KOLLEKTIVET), de Thomas Vinterberg


Vivir en común y en comuna
LA COMUNA (KOLLEKTIVET), de Thomas Vinterberg
Oso de Plata a la mejor actriz (Trine Dyrholm)
Dinamarca, 2016. Dirección: Thomas Vinterberg Guión: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg Fotografía: Jesper Tøffner Música: Fons Merkies y VV. AA. Reparto: Ulrich Thomsen, Fares Fares, Trine Dyrholm, Ole Dupont, Julie Agnete Vang, Lars Ranthe, Lise Koefoed, Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Helene Reingaard Neumann, Rasmus Lind Rubin Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 16/12/2016
¿De qué va?: Copenhague, años 70. Al heredar una casa grande, Erik, un profesor universitario, y su esposa Anna, presentadora del telenoticias del canal DR, decide convertir el lugar en una comuna. La vida colectiva se resiente cuando Erik mantiene un affair con una alumna suya.


Vinterberg vuelve a su Dinamarca natal tras filmar Lejos del mundanal ruido con La comuna (Kollektivet), un curioso acercamiento al ambiente hippie de los 70. Entre la comedia y el drama, la película cuenta el devenir de una familia que decide vivir con desconocidos, un grupo en el que pronto empiezan a aflorar roces y relaciones de todo tipo. El mensaje no se desmarca de lo esperado: el idealismo de los protagonistas acaba en saco roto porque son incapaces de discernir la libertad del libertinaje, si bien su inocencia resulta edificante para poner en duda el individualismo que ha acabado imponiéndose en nuestros tiempos. La película es amena, cuenta con una factura de época bastante digna y se sirve de la excelente cantera de actores del país (Thomsen y Dyrholm están excelentes), pero La comuna (Kollektivet) no puede más que considerarse un título menor en la filmografía de su artífice. Sorprende que un cineasta tan implicado con la institución familiar, casi siempre con acercamientos poco complacientes (ahí están los abusos sexuales de Celebración, la sombra de las drogas en Submarino o el peso de una mentira en La caza), apueste aquí por un relato más reconfortante, un tanto edulcorado y, en conjunto, bastante obvio. La comuna (Kollektivet) prefiere ser la crónica de una infidelidad y olvida ser una reflexión sobre los sistemas de vida alternativos, por lo que el resultado final dista muy poco del vodevil con caché. En definitiva, un pequeño desliz que se ve a la misma velocidad que se olvida. Esperemos que Vinterberg vuelva en breve a las diatribas sociales que tantos buenos réditos le han dado en las últimas dos décadas. 


Para amantes del cine de época de regusto "buenrollista".
Lo mejor: Sus actores.
Lo peor: Que deje fuera de foco, por accidente o por decisión propia, los temas más interesantes de la trama.

Posts relacionados:
Crítica de LA CAZA (JAGTEN), de Thomas Vinterberg
Crítica de LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO, de Thomas Vinterberg
Crítica de SUBMARINO, de Thomas Vinterberg
 

miércoles, 26 de octubre de 2016

CRÍTICA | QUATRETONDETA, de Pol Rodríguez


Un lugar de cuyo nombre aún puedo acordarme
QUATRETONDETA, de Pol Rodríguez
Festival de Málaga: Mejor fotografía. Món Filmat: Secció Ullals
España, 2016. Dirección y guión: Pol Rodríguez Fotografía: Carles Gusi Música: Joan Valent Reparto: José Sacristán, Laia Marull, Sergi López, Julián Villagrán Género: Comedia dramática Duración: 90 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 29/04/2016
¿De qué va?: Al morir su esposa, Tomás decide robar el cuerpo de la mujer y enterrarla por su cuenta en Quatretondeta, una pequeña localidad de Alicante. En paralelo, la hija de la difunta inicia una búsqueda desesperada para dar con el cadáver. Distintos personajes, a cada cual más extravagante, secundarán una persecución surrealista.


Con París-Tombuctú, Luis García Berlanga se despidió del Mediterráneo a golpe de cine coral y surrealista. Quince años después, Pol Rodríguez, quien fuera ayudante de dirección de nombres tan importantes como Villaronga, Recha y Guerín, recupera el pulso cómico del maestro y su cariño por la orografía y las tradiciones valencianas en Quatretondeta, una road movie que abarca una bastísima paleta de géneros para, a la postre, no asemejarse a ninguna película del reciente panorama español. Con un inicio propio de la comedia alocada, una continuación con ecos de western y un tramo final más introspectivo, Quatretondeta es una película cambiante que, simbólicamente, retrata el carácter igual de variable, casi siempre intempestivo, de unas gentes que viven en mitad de playas desiertas, montañas sinuosas y paisajes todavía resguardados de la especulación inmobiliaria y el turismo desbocado que ha sufrido la costa alicantina. Rodríguez apuesta por un humor absurdo que conecta con el espectador, aunque en su interior se esconden distintas historias de desencanto. En este sentido, no cuesta ver en la mirada de su director la humanidad, que no condescendencia, de ese Berlanga que tan bien describió los tiempos oscuros de nuestro país. Con todo, Rodríguez carece de la experiencia de su referente, y al final Quatretondeta se intuye un tanto desigual, más eficaz cuando apuesta por la risa sin ton ni son que cuando intenta explicar las interioridades de sus personajes. Al final da la sensación de que en esa Quatretondeta rural habitan distintas películas, y que no todas se ensamblan de la manera más satisfactoria. Sea como sea, es un espectáculo de primer nivel ver a José Sacristán con rostro aturdido, la comicidad enfadada de Laia Marull, el cabreo etílico de Sergi López o el bufonesco enterrador que da vida Julián Villagrán. Ojalá el "berlanguismo" conozca más renovaciones en un futuro cercano: la comunidad de las fallas, el despilfarro y el esperpento lo merece.


Para amantes de las películas insumisas.
Lo mejor: Su elenco.
Lo peor: El innecesario episodio de Moros y cristianos.

martes, 25 de octubre de 2016

CRÍTICA | LA REGIÓN SALVAJE, de Amat Escalante


Transitando el lado oscuro 
LA REGIÓN SALVAJE, de Amat Escalante 
Venecia: Mejor director. San Sebastián: Sección Horizontes Latinos. Sitges: Sección Noves Visions
México, 2016. Dirección: Amat Escalante Guión: Amat Escalante y Gibrán Portela Fotografía: Manuel Alberto Claro Reparto: Simone Bucio, Ruth Jazmín Ramos, Jesús Meza, Edén Villavicencio, Kenny Johnston Género: Drama. Ciencia ficción Duración: 100 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Alejandra es una ama de casa sin apenas tiempo para sí misma. Su marido mantiene relaciones sexuales en secreto con otro chico. Su hermano, un enfermero homosexual, es agredido al salir del hospital donde trabaja. Verónica, una chica misteriosa, y un extraño ente que habita en una cabaña ejercerán una influencia decisiva en todos los personajes.



 
El mexicano Amat Escalante firma en La región salvaje una de las películas más insólitas de la temporada. Lejos de acomodarse tras el éxito de Heli, el hispanoamericano traza una historia que discurre entre el realismo sucio y la ciencia ficción conceptual. En el plano más terrenal, el México de la corrupción, la miseria, la violencia y las complicadas relaciones familiares aflora una vez más con la historia de dos hermanos, víctimas ambos de sus debilidades y de sus circunstancias. Y en una dimensión cercana a lo místico, la película se abre con una imagen del espacio exterior y distintos fotogramas de tono apocalíptico que conciernen al personaje de Verónica y a un monstruo alojado en una cabaña, a la postre los dos grandes enigmas de la cinta.


 
La narración, que fluctúa entre lo tangible y lo inasible, atrapa a la audiencia por su constante capacidad de sorpresa, hasta el punto de producir un desasosiego tan incómodo como gozoso. Por momentos se diría que La región salvaje no sabe ni hacia dónde va ni qué quiere significar, pero Escalante cierra el arco dramático (que no los misterios) con pericia, abriendo la obra a infinitas lecturas. A la postre, los desvaríos fantásticos de La región salvaje son su elemento identificador y al mismo tiempo su principal talón de Aquiles, por lo que el nuevo trabajo de Escalante, lejos de generar consenso, parece condenado a producir una enorme brecha entre el público, sin descartar la posibilidad de que pueda alzarse como una cinta de culto entre ciertas minorías. 


 
Escalante apela al fantástico para decirnos que no es posible explicar desde un punto de vista científico las injusticias de nuestro entorno o los bajos instintos de nuestra especie, pero el cineasta olvida que en esos comportamientos se concentra la esencia del terror, como estado de ánimo y como género artístico. A La región salvaje, por lo tanto, y aunque suene paradigmático, le sobran todos sus componentes fantásticos: en lugar de producirse una simbiosis entre realidad y ficción, se diría que la segunda habita la primera en calidad de ente extraño y externo, como un alienígena agazapado en un organismo de carne y hueso. Sea como sea, Escalante ha firmado una película que es al mismo tiempo un reflejo y una reflexión del mal. Que convenzan más o menos sus dispositivos formales es un debate que debe articular cada espectador por su cuenta. De ella queda el convencimiento de que Escalante es una de las voces más aguerridas de la modernidad, que ya es mucho.


Para espectadores con el umbral del asombro muy alto.
Lo mejor: Es imposible despegar los ojos de la pantalla.
Lo peor: Muchos esperábamos unas respuestas... que la película no da.

domingo, 23 de octubre de 2016

CRÍTICA | TONI ERDMANN, de Maren Ade


Comedia triste
TONI ERDMANN, de Maren Ade
Festival de Cannes: Premio FIPRESCI. Premio FIPRESCI a la mejor película del año
Alemania, 2016. Dirección y guión: Maren Ade Fotografía: Patrick Orth Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea Género: Comedia dramática Duración: 160 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: Pendiente
¿De qué va?: Inés trabaja en Rumanía. Su padre Winfried se presenta de improvisto a Bucarest para intimar con su hija, pero ese contacto sólo será posible de la mano de Toni Erdmann, un personaje imaginario.


Toni Erdmann nos traslada a una Europa global y jerárquica. En ese contexto capitalista, Inés, una joven alemana, intenta hacerse un hueco en una empresa rumana que tiene sedes y mantiene contactos con sellos de todo el mundo. Inés no puede mostrar sus debilidades, por lo que esculpe una coraza que no le permite conciliar trabajo y vida personal, ambas facetas descritas en términos poco satisfactorios. Esa careta se rompe cuando su padre Winfried, con el que mantiene unos vínculos muy poco estrechos, decide recuperar el tiempo perdido en un momento especialmente complicado para él tras la muerte de su perro y la pérdida de su trabajo. El hombre se traslada a Rumanía e inventa un personaje, Toni Erdmann, para acercarse a su hija, pero el juego acaba desquiciando a ambos, hasta el punto de que Winfried-Toni se permite la licencia de irrumpir en la cotidianidad de Inés sin previo aviso, cual constante amenaza de que la débil estabilidad de la chica, ya sea en su piso, en su oficina, en las comidas que mantiene con sus compañeros de trabajo o en los momentos de ocio que comparte con sus amigas, puede dilapidarse en cuestión de segundos.


Con estas bases, Toni Erdmann, el fenómeno cinematográfico de la temporada, se impone como la comedia más excéntrica y apesadumbrada de cuantas haya parido este siglo XXI. Es la historia de un padre y una hija mal avenidos que, en su necesidad de encontrar un sentido a la vida, asumen que la única manera de reconciliarse consigo mismos y con los demás pasa necesariamente por asumir sus parentescos. También una sátira sobre las dobles identidades, entendidas primero como el único mecanismo de supervivencia al que puede apelar Inés en una sociedad feroz; y, en segundo término, como la máscara lúdica que Winfried construye para romper la frialdad de su entorno, ofreciendo una solución escapista a los problemas que atenazan a su retoño. Una historia de redención que reivindica la figura del perdedor en contraposición al arrivismo imperante, que critica la desconexión que existe entre los seres humanos en un mundo donde todos quedamos reducidos a individuos que producen y consumen. Con todo, la resolución abre una pequeña brecha de esperanza: Winfried-Toni consigue romper la barrera que le separa de su hija, a la vez que Inés se contagia de la libertad de su "Pepito Grillo" en una transformación que culmina en una pletórica exhibición nudista de casi media hora de duración.


La película cubre un arco tragicómico (empieza y acaba con un reencuentro paternofilial en Alemania) y nos obliga a reflexionar si esas dos víctimas del sistema lograrán limar sus asperezas tras el último fundido a negro. Mientras la realidad ofrezca sinsabores, la fantasía será el único espacio donde uno y otro podrán refugiarse. O tal vez todo lo dicho únicamente ponga de manifiesto las miserias de dos personajes que no saben interactuar entre ellos si no es a golpe de ironía y eufemismos, evitando a conciencia aquello que hiere y les hiere. De ahí que Toni Erdmann, ese personaje tan metafórico como corpóreo, no desaparezca del todo en la última escena, abriendo la posibilidad de que el rol de "pallaso triste" sea recuperado por Winfried o asumido por Inés en el futuro. La dentadura postiza, las esposas, la máquina de pedos, el rallador de queso y todos los gadgets del "personaje dentro del personaje", en definitiva, pueden aflorar en cualquier momento. La comedia, en otras palabras, queda insertada en un bucle sin fin, convertida en un dispositivo tan inevitable como necesario.


Maren Ade, tras un tour de force de 160 minutos, deja en suspenso la historia y nos insta a coger la realidad por los cuernos, a salir de nuestra zona de confort. Por el camino, la realizadora no escatima en subrayados, pero su insistencia es un ejemplo de cine mayúsculo. Comedia patética, porque critica el patetismo del "aquí" y del "ahora". Comedia orgánica, porque, en lugar de servirse de una nómina cerrada de chistes, es en sí misma una gran chanza, una visión deformada, y como tal excesiva, de lo que somos. Comedia, a la postre, triste. Y si la felicidad se encuentra en las pequeñas cosas, Ade consigue de igual forma sus mejores cuotas con escenas que, a pesar de estar desconectadas del núcleo central de la historia, terminan por describir con mayor nitidez a su pareja de némesis: ahí está la charla en la azotea o la "performance" de la canción Greatest Love of All de Whitney Houston. Una cinta que, tras su apariencia de sitcom teutona, esconde una reflexión lúcida y lúdica de nuestros fantasmas. Obra maestra.


Para los que saben que "familia sólo hay una".
Lo mejor: El episodio nudista.
Lo peor: Su apariencia de "sitcom familiar" se ganará el recelo de muchos.

Podcasts relacionados:
Especial FESTIVAL DE CANNES 2016: Ficha e información de TONI ERDMANN
Especial FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2016: Crítica de TONI ERDMANN

sábado, 22 de octubre de 2016

CRÍTICA | LA DONCELLA (THE HANDMAIDEN), de Park Chan-Wook


Criada y señora
LA DONCELLA (AH-GA-SSI, THE HANDMAIDEN), de Park Chan-Wook
Festival de Cannes: Sección oficial. Festival de Sitges: Premio del público
Corea del sur, 2016. Dirección: Park Chan-Wook Guión: Park Chan-Wook y Jung Seo-Kyung, a partir de la novela de Sarah Waters Música: Cho Young-Wuk Fotografía: Chung Chung-Hoon Reparto: Ha Jung-Woo, Kim Min-Hee, Jo Jin-Woong, Kim Tae-Ri, Moon So-Ri, Kim Hae-Suk Género: Drama histórico. Thriller erótico Duración: 145 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 02/12/2016
¿De qué va?: Corea del sur en plena colonización japonesa. Una joven es contratada por una rica heredera nipona como sirvienta personal. Encerrada en una mansión de inspiración británica, la joven se debatirá entre la atracción que siente por su ama y el truculento secreto que mantiene con un falso conde.


Tras el paréntesis que supuso en su carrera Stoker, Park Chan-Wook regresa a casa, con paso triunfal por Cannes y Sitges incluido, con La doncella (The Handmaiden), un nuevo relato de venganza, violencia y relaciones peligrosas en la Corea del sur de los años 30. Chan-Wook, tras su aventura estadounidense, ha estilizado sus formas en una película más preciosista; tan macabra como sus títulos cumbre, y al mismo tiempo más calmada, como si su furia quedara agazapada en los rictus hieráticos de la criada y la señora que protagonizan la historia. 


En La doncella (The Handmaiden) no importa tanto lo que se cuenta (en esencia, la enésima crónica de dobles identidades, triángulos amorosos y otras convenciones) sino cómo Chan-Wook, en un alarde de ingenio, va superponiendo las capas del misterio hasta confeccionar un mosaico apabullante. En este sentido, puede decirse que el film cuenta con dos mitades muy diferentes: la primera se asienta sobre el thriller de interiores, con una puesta en escena clasicista y unas pulsiones eróticas en constante aumento; y en su segundo tramo, la acción deriva en delirio, el erotismo en pura exhibición sadomasoquista, y la trama se precipita hacia el sinsentido más gozoso, retomando pasajes anteriores desde perspectivas diferentes. En ese viaje, el espectador puede tener la sensación de que Chan-Wook alambica a placer una historia que se creía caminar en una única dirección, pero el director sabe aprovecharse del asombro de la platea y tejer a nuestro alrededor una tupida tela de araña en la que todas las perversiones, pese a no ser plausibles, sí resultan válidas. De ahí que el magnetismo de La doncella (The Handmaiden) no se agote en un único visionado, porque es una película que se descubre y redescubre cada vez que se evoca, que mantiene intacto su misterio aun cuando todas sus cartas están boca arriba encima de la mesa. 


Hay que celebrar que Chan-Wook haya dejado atrás las coreografías sangrientas de Old Boy y compañía, una vía que, sin haberse agotado, le hubiera condenado a la repetición sin fin. Tras un cuento vampírico con transgresiones religiosas (Thirst) y esta Agatha Cristie tocada por el lesbianismo y la locura transitoria, queda claro que el genio surcoreano es capaz de todo. Las ganas por saber qué saldrá de su caja de pandora en los próximos años son inmensas. Por suerte, amenizaremos la espera paladeando esta doncella que, en sus facetas mojigatas y dominadoras, apabulla nuestros sentidos.


Para espectadores que saben ser "pasivos" y "activos" según la "escena".
Lo mejor: La psicología desbarrada de sus personajes.
Lo peor: Más de uno se perderá con tanto giro de guión.


Escucha la reseña de LA DONCELLA (THE HANDMAIDEN) 
en EL PODCAST DE C&R - FESTIVAL DE SITGES 2016 

jueves, 20 de octubre de 2016

ENCUESTA | LAS MEJORES PELÍCULAS DEL AÑO 1990

Cinoscar & Rarities, dentro del especial CINE DE LOS 90, ha encuestado a sus oyentes y lectores por sus 5 películas favoritas del año 1990. En el siguiente post agrupamos el top final y los 42 tops recibidos. 


1. UNO DE LOS NUESTROS, de Martin Scorsese 27 votos
2. EDUARDO MANOSTIJERAS, de Tim Burton 24 votos
3. MISERY, de Rob Reiner 21 votos
4. EL PADRINO: PARTE 3, de Francis Ford Coppola 13 votos
5. MUERTE ENTRE LAS FLORES, de Joel Coen 10 votos
6. BAILANDO CON LOBOS, de Kevin Costner 9 votos
7. CYRANO DE BERGERAC, de Jean-Paul Rappeneau 8 votos
8. ¡ÁTAME!, de Pedro Almodóvar 7 votos
8. GHOST: MÁS ALLÁ DEL AMOR, de Jerry Zucker 7 votos
10. ¡AY CARMELA!, de Carlos Saura 6 votos
10. DESPERTARES, de Penny Marshall 6 votos
10. LA CAZA DEL OCTUBRE ROJO, de John McTiernan 6 votos
13. DESAFÍO TOTAL, de Paul Verhoeven 5 votos
13. PRETTY WOMAN, de Garry Marshall 5 votos
15. CORAZÓN SALVAJE, de David Lynch 3 votos
15. EUROPA, EUROPA, de Agnieszka Holland 3 votos
15. LA CHICA DE LA FÁBRICA DE CERILLAS, de Aki Kaurismäki 3 votos
15. LA ESCALERA DE JACOB, de Adrian Lyne 3 votos

Ranking disponible en FILMAFFINITY

 Ranking y ESPECIAL CINE DEL 1990 +
Monográfico de EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS


Todos los votos
Nota: Se tachan aquellos votos que no eran válidos (series o películas cuyo año de producción no era 1990).


1. Alberto Tovar - Demasiadocine
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Europa, Europa, de Agnieszka Holland
- Los sueños de Akira Kurosawa, de Akira Kurosawa
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

2. Álex - Ocio en pocas palabras
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- El club de los poetas muertos, de Peter Weir
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- Línea Mortal, de Joel Schumacher
- Pretty Woman, de Garry Marshall 

3. Andrés Ricaurte
- Despertares, de Penny Marshall
- El largo camino a casa, de Richard Pearce
- Esperando a Mr. Bridge, de James Ivory
- Europa, Europa, de Agnieszka Holland
- Misery, de Rob Reiner

4. Antonio Fernández
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Matrimonio de conveniencia, de Peter Weir
- Misery, de Rob Reiner

5. Carlos Esteban
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Despertares, de Penny Marshall
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

6. Chema Hernández
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El clan de los irlandeses, de Phil Joanou
- Europa, Europa, de Agnieszka Holland 
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

7. Cinéfilos Habituales
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- Presunto inocente, de Alan J. Pakula

8. Daniel Bermeo - Cine Puro
- Contraté a un asesino a sueldo, de Aki Kaurismäki
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- La chica de la fábrica de cerillas, de Aki Kaurismäki
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

9. David González
- Desafío total, de Paul Verhoeven 
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Misery, de Rob Reiner
- Muñeco diabólico 2, de John Lafia
- Pretty Woman, de Garry Marshall  

10. DKL
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- La jungla 2: Alerta Roja, de Renny Harlin
- Regreso al futuro III, de Robert Zemeckis
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

11. Enrique Bellón - La Henryteca
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

12. Francisco - Acorazado Cinéfilo
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- Muerte entre las flores, de Joel Coen

13. Gerbag
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Cry Baby (El lágrima), de John Waters
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Misery, de Rob Reiner
- Nikita, dura de matar, de Luc Besson

14. Giancarlo Verástegui - No es un blog habitual
- Agenda oculta, de Ken Loach
- Corazón salvaje, de David Lynch
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Un ángel en mi mesa, de Jane Campion
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

15. Guillermo Navarro - Film Dreams
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El rey de Nueva York, de Abel Ferrara
- La vida es dulce, de Mike Leigh
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

16. Íñigo Prats
- Dos pájaros a tiro, de John Badham
- El silencio de los corderos, de Jonathan Demme
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- Malas influencias, de Curtis Hanson
- Twin Peaks, de David Lynch

17. Isidro Molina - Ratos de Cine y Óscar
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- El marido de la peluquera, de Patrice Leconte
- Misery, de Rob Reiner
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

18. Jesús Onieva
- Corazón salvaje, de David Lynch
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- It (Eso), de Tommy Lee Wallace
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

19. Jose Luis Ayala
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Misery, de Rob Reiner
- Muerte entre las flores, de Joel Coen 
- Primer plano (Close-Up), de Abbas Kiarostami
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

20. Jose Manuel Olguin
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- La escalera de Jacob, de Adrian Lyne
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

21. Josep A. D.
- Alice, de Woody Allen
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- Corazón salvaje, de David Lynch
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton

22. Julio Lacava - El Octavo Espectador
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Despertares, de Penny Marshall
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

23. Kasko - El butacón de Kasko
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Desafío total, de Paul Verhoeven 
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

24. Marcelo Morales
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- Los timadores (The Grifters), de Stephen Frears
- Pretty Woman, de Garry Marshall

25. Marcos Curto - Bloodstab
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

26. Mariano Silva
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- Misery, de Rob Reiner
- Pretty Woman, de Garry Marshall
- Solo en casa, de Chris Columbus

27. Mayra Meza - Cine Amateur
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau
- Ju Dou: Semilla de crisantemo, de Zhang Yimou
- La chica de la fábrica de cerillas, de Aki Kaurismäki
- Misery, de Rob Reiner

28. Miguel Pina - Cine y Críticas Marcianas
- Despertares, de Penny Marshall
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Habana, de Sydney Pollack
- Memphis Belle, de Michael Caton-Jones
- Pretty Woman, de Garry Marshall 

29. Norberto Piñar - The DVA Blog
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Desafío total, de Paul Verhoeven
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

30. Oscar Martí - La Taverna del Mastí
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Misery, de Rob Reiner
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

31. Paco Nebot - La Olla Coop
- Aracnofobia, de Frank Marshall
- Corazón blanco, corazón negro, de Clint Eastwood
- La jungla 2: Alerta Roja, de Renny Harlin 
- No sin mi hija, de Brian Gilbert
- Terminator 2: El juicio final, de James Cameron

32. Rafa Martínez - The Córdoba Secret's
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- La escalera de Jacob, de Adrian Lyne
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

33. Rafael Mejía
- Despertares, de Penny Marshall
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Están todos bien, de Giuseppe Tornatore
- Los sueños de Akira Kurosawa, de Akira Kurosawa
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

34. Raven-Heart
- Desafío total, de Paul Verhoeven
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Hamlet, el honor de la venganza, de Franco Zeffirelli
- Misery, de Rob Reiner 
- Razas de noche, de Clive Barker

35. Redrumcine
- Aracnofobia, de Frank Marshall
- Desafío total, de Paul Verhoeven
- La caza del octubre rojo, de John McTiernan
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

36. Ricard Prats
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- La escalera de Jacob, de Adrian Lyne
- Misery, de Rob Reiner
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

37. Ronnie Valencia - Dualidad Alterna
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Los timadores (The Grifters), de Stephen Frears
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

38. Rubén Bas
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Misery, de Rob Reiner
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

39. Sergio Nahuel - Oscarzine
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- Despertares, de Penny Marshall
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- Ju Dou: Semilla de crisantemo, de Zhang Yimou 
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

40. Vanessa Seoane
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Eduardo Manostijeras, de Tim Burton
- Ghost: Más allá del amor, de Jerry Zucker
- Muerte entre las flores, de Joel Coen
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

41. Xavier Llobet
- ¡Ay, Carmela!, de Carlos Saura
- Bailando con lobos, de Kevin Costner
- Misery, de Rob Reiner
- Muerte entre las flores, de Joel Coen 
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

42. Xavier Vidal - Cinoscar & Rarities
- ¡Átame!, de Pedro Almodóvar
- Decálogo: Episodios 2-10, de Krzysztof Kieslowski
- El padrino: Parte 3, de Francis Ford Coppola
- La chica de la fábrica de cerillas, de Aki Kaurismäki
- Uno de los nuestros, de Martin Scorsese

Haz click en la imagen y vota en la encuesta
¡TUS 5 PELÍCULAS FAVORITAS DE 1991!

https://docs.google.com/forms/d/e/1FAIpQLSdIzb3QE6WMCAutRCfV4_LGruN5f8d2j-2jJkgJNSsJrd1Uqg/viewform

Último día para votar: Martes 25/10 
No te pierdas el PODCAST ESPECIAL CINE DEL 1991: Monográfico de EL SILENCIO DE LOS CORDEROS el próximo Martes 01/11